Η σαγήνη της Τζαζ! [+22 άλμπουμ]
- Thread starter grio
- Start date
6. Art Pepper - Art Pepper Meets The Rhythm Section (1957, Contemporary Records) [LP]
Κομμάτια: A1 You'd Be So Nice To Come Home To (Cole Porter) - 5:25, A2 Red Pepper Blues (Red Garland) - 3:36, A3 Imagination (Jimmy Van Heusen, Johnny Burke) - 5:39, A4 Waltz Me Blues (Art Pepper, Paul Chambers) - 2:55, A5 Straight Life (Art Pepper) - 3:58, B1 Jazz Me Blues (Tom Delaney) - 4:32, B2 Tin Tin Deo (Chano Pozo) - 7:42, B3 Star Eyes (Don Raye, Gene DePaul) - 5:12, B4 Birks' Works (Dizzy Gillespie) - 4:15
Μουσικοί: Art Pepper (άλτο σαξόφωνο), Red Garland (πιάνο), Paul Chambers (μπάσο), Philly Joe Jones (τύμπανα)
Παραγωγή / Μηχανικός: Lester Koenig[6] / Roy DuNann[25]
Το Art Pepper Meets the Rhythm Section είναι μια μυθική ηχογράφηση. Οι συνθήκες γύρω από τη γένεσή του αποκαλύφθηκαν για πρώτη φορά στην εξαιρετικά ειλικρινή αυτοβιογραφία Straight Life του Art Pepper/Αρτ Πέπερ (1925-1982, 56 χρ.) και αναπαρήχθησαν αμέτρητες φορές σε άρθρα και ένθετες σημειώσεις. Το πρωί, λοιπόν, της ηχογράφησης, 19 Ιανουαρίου 1957, η τότε σύζυγος του Πέπερ, Νταϊάν, τον ενημέρωσε ότι είχε εξασφαλίσει μια απογευματινή ηχογράφηση με τον ρυθμικό τμήμα του Miles Davis που ήταν στο Λος Άντζελες και εμφανιζόταν με τον Ντέιβις. Δυσάρεστα έκπληκτος και με ένα σαξόφωνο που είχε μεγάλη ανάγκη επισκευής, ο Pepper πήρε μια μεγάλη δόση ηρωίνης και πήγε στο σέσιον. Η μουσική που παράχθηκε από αυτό το χάος έχει περιγραφεί ως «ένα διαμάντι της καταγεγραμμένης ιστορίας της τζαζ».
Στον δημοσιογράφο Grover Lewis του Rolling Stone, ο Art Pepper είπε με θλίψη: «Ο μόνος στενός φίλος που νομίζω ότι έκανα ποτέ στη μουσική βιομηχανία ήταν ο Les Koenig». Ο Pepper όταν βρήκε σπίτι στην Contemporary είδε τον Koenig ως πατρική φιγούρα και αυτή η αμοιβαία εμπιστοσύνη είχε ως αποτέλεσμα μια σειρά από άλμπουμ που εδραίωσαν τη μουσική του φήμη. Στο Art Pepper Meets the Rhythm Section, ο Art συναντά κυριολεκτικά το τμήμα ρυθμού της εποχής —Red Garland, Paul Chambers και Philly Joe Jones. Ήταν αλήθεια, ο Pepper δεν είχε ξανασυναντήσει αυτούς τους μουσικούς, πόσο μάλλον να έκανε πρόβες ή να παίξει μαζί τους. Παρά ταύτα, το υλικό για το σέσιον είχε επιλεγεί προηγουμένως από τους μουσικούς.
Μετά από λίγη συζήτηση, ο ντράμερ Philly Joe Jones πρότεινε το "You'd Be So Nice To Come Home To" του Cole Porter και το ιστορικό σέσιον ξεκίνησε. Το πρόγραμμα άρχισε σταδιακά να διαμορφώνεται. Ο Red Garland παρείχε ένα πρωτότυπο, το "Red Pepper Blues" και συμπεριλήφθηκε η μπαλάντα "Imagination" των Burke/Van Heusen. Το κουαρτέτο ανακάτεψε τα πράγματα με το κλασικό "Jazz Me Blues" της Νέας Ορλεάνης που έπαιξε ενάντια στο αφρο-κουβανέζικο κρέντο "Tin Tin Deo" του Chano Pozo (με κάποιο συμπαγές τυμπανισμό από τον Jones).
Ένα ζευγάρι μπλουζ κομματιών αντιπαρατίθεται επίσης. Το "Waltz Me Blues" ήταν ένα πρωτότυπο σέσιον που συνέθεσαν ο Pepper και ο μπασίστας Paul Chambers. Είναι ρυθμικό, ελαφρύ και βρίσκεται σε μεγάλη αντίθεση με το καπνιστό μινόρε μπλουζ "Birks' Works" του John Birks "Dizzy" Gillespie. Ίσως κεντρικό στοιχείο των ηχογραφήσεων ήταν το πρωτότυπο του Pepper, "Straight Life". Αυτό το κλασικό του Pepper είναι ένα πολύπλοκο και γρήγορο μπίμποπ κομμάτι της Δυτικής Ακτής. Μαζί με το "Somewhere over the Rainbow", θα γινόταν το τραγούδι της υπογραφής του. Το ζωηρό "Star Eyes" ολοκληρώνει τη συλλογή.
«Το Art Pepper Meets the Rhythm Section είναι ένα από εκείνα τα μοναδικά γεγονότα που μπορούν να συμβούν μόνο σε εξαιρετικές περιπτώσεις...» - C. Michael Bailey
ο Αρτ Πέπερ στο Λος Άντζελες γύρω στα 1957
Κομμάτια: A1 You'd Be So Nice To Come Home To (Cole Porter) - 5:25, A2 Red Pepper Blues (Red Garland) - 3:36, A3 Imagination (Jimmy Van Heusen, Johnny Burke) - 5:39, A4 Waltz Me Blues (Art Pepper, Paul Chambers) - 2:55, A5 Straight Life (Art Pepper) - 3:58, B1 Jazz Me Blues (Tom Delaney) - 4:32, B2 Tin Tin Deo (Chano Pozo) - 7:42, B3 Star Eyes (Don Raye, Gene DePaul) - 5:12, B4 Birks' Works (Dizzy Gillespie) - 4:15
Μουσικοί: Art Pepper (άλτο σαξόφωνο), Red Garland (πιάνο), Paul Chambers (μπάσο), Philly Joe Jones (τύμπανα)
Παραγωγή / Μηχανικός: Lester Koenig[6] / Roy DuNann[25]
Το Art Pepper Meets the Rhythm Section είναι μια μυθική ηχογράφηση. Οι συνθήκες γύρω από τη γένεσή του αποκαλύφθηκαν για πρώτη φορά στην εξαιρετικά ειλικρινή αυτοβιογραφία Straight Life του Art Pepper/Αρτ Πέπερ (1925-1982, 56 χρ.) και αναπαρήχθησαν αμέτρητες φορές σε άρθρα και ένθετες σημειώσεις. Το πρωί, λοιπόν, της ηχογράφησης, 19 Ιανουαρίου 1957, η τότε σύζυγος του Πέπερ, Νταϊάν, τον ενημέρωσε ότι είχε εξασφαλίσει μια απογευματινή ηχογράφηση με τον ρυθμικό τμήμα του Miles Davis που ήταν στο Λος Άντζελες και εμφανιζόταν με τον Ντέιβις. Δυσάρεστα έκπληκτος και με ένα σαξόφωνο που είχε μεγάλη ανάγκη επισκευής, ο Pepper πήρε μια μεγάλη δόση ηρωίνης και πήγε στο σέσιον. Η μουσική που παράχθηκε από αυτό το χάος έχει περιγραφεί ως «ένα διαμάντι της καταγεγραμμένης ιστορίας της τζαζ».
Στον δημοσιογράφο Grover Lewis του Rolling Stone, ο Art Pepper είπε με θλίψη: «Ο μόνος στενός φίλος που νομίζω ότι έκανα ποτέ στη μουσική βιομηχανία ήταν ο Les Koenig». Ο Pepper όταν βρήκε σπίτι στην Contemporary είδε τον Koenig ως πατρική φιγούρα και αυτή η αμοιβαία εμπιστοσύνη είχε ως αποτέλεσμα μια σειρά από άλμπουμ που εδραίωσαν τη μουσική του φήμη. Στο Art Pepper Meets the Rhythm Section, ο Art συναντά κυριολεκτικά το τμήμα ρυθμού της εποχής —Red Garland, Paul Chambers και Philly Joe Jones. Ήταν αλήθεια, ο Pepper δεν είχε ξανασυναντήσει αυτούς τους μουσικούς, πόσο μάλλον να έκανε πρόβες ή να παίξει μαζί τους. Παρά ταύτα, το υλικό για το σέσιον είχε επιλεγεί προηγουμένως από τους μουσικούς.
Μετά από λίγη συζήτηση, ο ντράμερ Philly Joe Jones πρότεινε το "You'd Be So Nice To Come Home To" του Cole Porter και το ιστορικό σέσιον ξεκίνησε. Το πρόγραμμα άρχισε σταδιακά να διαμορφώνεται. Ο Red Garland παρείχε ένα πρωτότυπο, το "Red Pepper Blues" και συμπεριλήφθηκε η μπαλάντα "Imagination" των Burke/Van Heusen. Το κουαρτέτο ανακάτεψε τα πράγματα με το κλασικό "Jazz Me Blues" της Νέας Ορλεάνης που έπαιξε ενάντια στο αφρο-κουβανέζικο κρέντο "Tin Tin Deo" του Chano Pozo (με κάποιο συμπαγές τυμπανισμό από τον Jones).
Ένα ζευγάρι μπλουζ κομματιών αντιπαρατίθεται επίσης. Το "Waltz Me Blues" ήταν ένα πρωτότυπο σέσιον που συνέθεσαν ο Pepper και ο μπασίστας Paul Chambers. Είναι ρυθμικό, ελαφρύ και βρίσκεται σε μεγάλη αντίθεση με το καπνιστό μινόρε μπλουζ "Birks' Works" του John Birks "Dizzy" Gillespie. Ίσως κεντρικό στοιχείο των ηχογραφήσεων ήταν το πρωτότυπο του Pepper, "Straight Life". Αυτό το κλασικό του Pepper είναι ένα πολύπλοκο και γρήγορο μπίμποπ κομμάτι της Δυτικής Ακτής. Μαζί με το "Somewhere over the Rainbow", θα γινόταν το τραγούδι της υπογραφής του. Το ζωηρό "Star Eyes" ολοκληρώνει τη συλλογή.
«Το Art Pepper Meets the Rhythm Section είναι ένα από εκείνα τα μοναδικά γεγονότα που μπορούν να συμβούν μόνο σε εξαιρετικές περιπτώσεις...» - C. Michael Bailey
ο Αρτ Πέπερ στο Λος Άντζελες γύρω στα 1957
7. Count Basie And His Orchestra + Neal Hefti - Basie (Ιανουάριος 1958, Roulette) [LP]
Κομμάτια: A1 The Kid From Red Bank - 2:38, A2 Duet - 4:10, A3 After Supper - 3:22, A4 Flight Of The Foo Birds - 3:21, A5 Double -O - 2:45, A6 Teddy The Toad - 3:40, B1 Whirly-Bird - 3:46, B2 Midnite Blue - 4:25, B3 Splanky - 3:35, B4 Fantail - 3:50, B5 Lil' Darlin' - 4:47
Μουσικοί: Count Basie (πιάνο), Freddie Green (κιθάρα), Eddie Jones (μπάσο), Sonny Payne (τύμπανα), Eddie "Lockjaw" Davis / Frank Foster (τενόρο σαξόφωνο), Marshall Royal (άλτο σαξόφωνο), Charles Fowlkes (βαρύτονο σαξόφωνο), Frank Wess (σαξόφωνο), Joe Newman / Snooky Young / Thad Jones / Wendell Culley (τρομπέτα), Al Grey / Benny Powell / Henry Coker (τρομπόνι), Neal Hefti (σύνθεση, ενορχήστρωση)
Παραγωγή: Teddy Reig[7]
Το 1957, οι αλκυονίδες μέρες του επιδραστικού γκρουπ της δεκαετίας του 1930 του Count Basie/Κάουντ Μπέιζι (1904-1984, 79 χρ.) ήταν δύο δεκαετίες πίσω. Πράγματι, η αλλαγή της μόδας τον ανάγκασε να εγκαταλείψει τη μεγάλη μπάντα του για λίγο στις αρχές της δεκαετίας του 1950. Ευτυχώς, ήταν η τελευταία φορά που θα ήταν χωρίς μια τέτοια. Το μόνο που χρειαζόταν ο Basie, όπως αποδείχθηκε, ήταν λίγο φρέσκο αίμα, το οποίο βρήκε στις φλέβες του νεαρού ενορχηστρωτή Neal Hefti/Νιλ Χέφτι. Μόλις πέντε χρόνια μετά την πρώτη του δουλειά με την μπάντα, ο Hefti κλήθηκε να επενδύσει μουσικά ολόκληρο τον πρώτο δίσκο του Basie για τη νεοσύστατη δισκογραφική Roulette, του Νεοϋορκέζου επιχειρηματία Morris Levy[15].
Αρχικά κυκλοφόρησε απλά ως Basie, γνωστό επίσης και ως E = MC², προκαλώντας μεγάλη εντύπωση. Τα νέα του κομμάτια έδειξαν ότι οι μεγάλες μπάντες μπορούσαν να παίξουν ακόμα ζωτικό ρόλο στη μουσική της εποχής, και να συνεχίσουν να σουινγκάρουν δυνατά. Με την εντυπωσιακή εικόνα του τεράστιου σύννεφου σε σχήμα μανιταριού στο εξώφυλλο, το άλμπουμ σύντομα μετονομάστηκε σε The Atomic Mr. Basie. «Δεν έχω καυχηθεί ποτέ για τίποτα», έγραψε ο πάντα σεμνός Basie στην αυτοβιογραφία του, «αλλά η μπάντα [Atomic Basie]... ήταν μια, για την οποία θα μπορούσα να είχα καυχηθεί».
Και όχι άδικα, υποστηριζόμενη από τον σαξοφωνίστα Eddie "Lockjaw" Davis/Έντι Ντέιβις και ένα τμήμα τρομπετών γεμάτη αστέρια με επικεφαλής τον Thad Jones/Θαντ Τζόουνς, τα δώδεκα δυνατά πνευστά εναλλάσσουν φωτιά στο "Whirly-Bird" και πάγο στο κομψό "After Supper", με ζωηρή επίδραση στις έντεκα συνθέσεις του Hefti. Αλλά, όπως πάντα με τον Basie, η ρυθμ σέξιον είναι το κλειδί: ο μπασίστας Eddie Jones/Έντι Τζόουνς, ο ντράμερ Sonny Payne/Σόνι Πέιν, ο κιθαρίστας Freddie Green/Φρέντι Γκριν και ο ίδιος ο Basie, παίζοντας πιάνο με τυπική οικονομία, φέρνουν το σουίνγκ ακόμα και στο τρυφερό "Li'l Darlin'".
Ήταν ο τελευταίος σπουδαίος δίσκος του Basie. Στα μέσα της δεκαετίας του 1960, είχε γλιστρήσει άνετα στη θέση του ως ένας από τους πιο συμπαθείς σεβάσμιους μουσικούς της τζαζ, έναν ρόλο που θα κρατούσε μέχρι τον θάνατό του, το 1984. Ο Χέφτι, εν τω μεταξύ, εγκατέλειψε σε μεγάλο βαθμό τη σοβαρή τζαζ υπέρ του Χόλιγουντ, βρίσκοντας φήμη για τα θέματα του Batman και του The Odd Couple.
Ο χρονική στιγμή της κυκλοφορίας του Basie ήταν αρκετά ασυνήθιστη, αφού εκείνη την εποχή, η τζαζ κυριαρχούνταν από μικρά γκρουπ, ηγέτες όπως οι Miles Davis, Art Blakey, και αυτοσχεδιαστές σαν τους Sonny Rollins και John Coltrane, που πήγαιναν τη μουσική προς τα εμπρός με ταχύ ρυθμό, προσπαθώντας να ξαναγράψουν τους κανόνες. Η έλευση της φρι τζαζ ήταν προ των πυλών, αλλά και πάλι η ζωντανή μουσική από τις μεγάλες μπάντες του σουίνγκ με την ικανότητα να παίζουν όλους τους ρυθμούς θα μπορούσε να κερδίσει.
ο Count Basie ποζάρει σε ραδιοφωνικό στούντιο, 1955 (φωτογραφία Harry Hammond)
Κομμάτια: A1 The Kid From Red Bank - 2:38, A2 Duet - 4:10, A3 After Supper - 3:22, A4 Flight Of The Foo Birds - 3:21, A5 Double -O - 2:45, A6 Teddy The Toad - 3:40, B1 Whirly-Bird - 3:46, B2 Midnite Blue - 4:25, B3 Splanky - 3:35, B4 Fantail - 3:50, B5 Lil' Darlin' - 4:47
Μουσικοί: Count Basie (πιάνο), Freddie Green (κιθάρα), Eddie Jones (μπάσο), Sonny Payne (τύμπανα), Eddie "Lockjaw" Davis / Frank Foster (τενόρο σαξόφωνο), Marshall Royal (άλτο σαξόφωνο), Charles Fowlkes (βαρύτονο σαξόφωνο), Frank Wess (σαξόφωνο), Joe Newman / Snooky Young / Thad Jones / Wendell Culley (τρομπέτα), Al Grey / Benny Powell / Henry Coker (τρομπόνι), Neal Hefti (σύνθεση, ενορχήστρωση)
Παραγωγή: Teddy Reig[7]
Το 1957, οι αλκυονίδες μέρες του επιδραστικού γκρουπ της δεκαετίας του 1930 του Count Basie/Κάουντ Μπέιζι (1904-1984, 79 χρ.) ήταν δύο δεκαετίες πίσω. Πράγματι, η αλλαγή της μόδας τον ανάγκασε να εγκαταλείψει τη μεγάλη μπάντα του για λίγο στις αρχές της δεκαετίας του 1950. Ευτυχώς, ήταν η τελευταία φορά που θα ήταν χωρίς μια τέτοια. Το μόνο που χρειαζόταν ο Basie, όπως αποδείχθηκε, ήταν λίγο φρέσκο αίμα, το οποίο βρήκε στις φλέβες του νεαρού ενορχηστρωτή Neal Hefti/Νιλ Χέφτι. Μόλις πέντε χρόνια μετά την πρώτη του δουλειά με την μπάντα, ο Hefti κλήθηκε να επενδύσει μουσικά ολόκληρο τον πρώτο δίσκο του Basie για τη νεοσύστατη δισκογραφική Roulette, του Νεοϋορκέζου επιχειρηματία Morris Levy[15].
Αρχικά κυκλοφόρησε απλά ως Basie, γνωστό επίσης και ως E = MC², προκαλώντας μεγάλη εντύπωση. Τα νέα του κομμάτια έδειξαν ότι οι μεγάλες μπάντες μπορούσαν να παίξουν ακόμα ζωτικό ρόλο στη μουσική της εποχής, και να συνεχίσουν να σουινγκάρουν δυνατά. Με την εντυπωσιακή εικόνα του τεράστιου σύννεφου σε σχήμα μανιταριού στο εξώφυλλο, το άλμπουμ σύντομα μετονομάστηκε σε The Atomic Mr. Basie. «Δεν έχω καυχηθεί ποτέ για τίποτα», έγραψε ο πάντα σεμνός Basie στην αυτοβιογραφία του, «αλλά η μπάντα [Atomic Basie]... ήταν μια, για την οποία θα μπορούσα να είχα καυχηθεί».
Και όχι άδικα, υποστηριζόμενη από τον σαξοφωνίστα Eddie "Lockjaw" Davis/Έντι Ντέιβις και ένα τμήμα τρομπετών γεμάτη αστέρια με επικεφαλής τον Thad Jones/Θαντ Τζόουνς, τα δώδεκα δυνατά πνευστά εναλλάσσουν φωτιά στο "Whirly-Bird" και πάγο στο κομψό "After Supper", με ζωηρή επίδραση στις έντεκα συνθέσεις του Hefti. Αλλά, όπως πάντα με τον Basie, η ρυθμ σέξιον είναι το κλειδί: ο μπασίστας Eddie Jones/Έντι Τζόουνς, ο ντράμερ Sonny Payne/Σόνι Πέιν, ο κιθαρίστας Freddie Green/Φρέντι Γκριν και ο ίδιος ο Basie, παίζοντας πιάνο με τυπική οικονομία, φέρνουν το σουίνγκ ακόμα και στο τρυφερό "Li'l Darlin'".
Ήταν ο τελευταίος σπουδαίος δίσκος του Basie. Στα μέσα της δεκαετίας του 1960, είχε γλιστρήσει άνετα στη θέση του ως ένας από τους πιο συμπαθείς σεβάσμιους μουσικούς της τζαζ, έναν ρόλο που θα κρατούσε μέχρι τον θάνατό του, το 1984. Ο Χέφτι, εν τω μεταξύ, εγκατέλειψε σε μεγάλο βαθμό τη σοβαρή τζαζ υπέρ του Χόλιγουντ, βρίσκοντας φήμη για τα θέματα του Batman και του The Odd Couple.
Ο χρονική στιγμή της κυκλοφορίας του Basie ήταν αρκετά ασυνήθιστη, αφού εκείνη την εποχή, η τζαζ κυριαρχούνταν από μικρά γκρουπ, ηγέτες όπως οι Miles Davis, Art Blakey, και αυτοσχεδιαστές σαν τους Sonny Rollins και John Coltrane, που πήγαιναν τη μουσική προς τα εμπρός με ταχύ ρυθμό, προσπαθώντας να ξαναγράψουν τους κανόνες. Η έλευση της φρι τζαζ ήταν προ των πυλών, αλλά και πάλι η ζωντανή μουσική από τις μεγάλες μπάντες του σουίνγκ με την ικανότητα να παίζουν όλους τους ρυθμούς θα μπορούσε να κερδίσει.
ο Count Basie ποζάρει σε ραδιοφωνικό στούντιο, 1955 (φωτογραφία Harry Hammond)
8. Cannonball Adderley - Somethin' Else (Μάιος 1958, Blue Note) [LP]
Κομμάτια: A1 Autumn Leaves (Prevert, Kosma) - 10:58, A2 Love For Sale (Cole Porter) - 7:03, B1 Somethin' Else (Miles Davis) - 8:12, B2 One For Daddy-O (Nat Adderley) - 8:21, B3 Dancing In The Dark (Schwartz, Dietz) - 4:04
Μουσικοί: Cannonball Adderley (άλτο σαξόφωνο), Miles Davis (τρομπέτα), Hank Jones (πιάνο), Sam Jones (bass), Art Blakey (μπάσο)
Παραγωγή / Μηχανικός: Alfred Lion[8] / Rudy Van Gelder[23]
Ηχογραφήθηκε ένα μήνα αφότου ο Cannonball Adderley/Κάνονμπολ Άντερλι (1928-1975, 46 χρ.) έκανε το ντεμπούτο του με το σεξτέτο του Miles Davis στο Milestones. Τελικά αποχώρησε από το γκρουπ τον Σεπτέμβριο του 1959, παρά το γεγονός ότι ο αρχηγός του εγγυήθηκε ετήσιο μισθό είκοσι χιλιάδες δολάρια —ένα τεράστιο ποσό για έναν μουσικό που σήμερα ισοδυναμούν περίπου με διακόσιες χιλιάδες δολάρια. Για τον Miles Davis, η εμφάνισή του ως μουσικού στο άλμπουμ του Adderley εκλαμβάνεται ως φιλοφρόνηση. Το Somethin’ Else και το Legrand Jazz του Michel Legrand, το οποίο ηχογραφήθηκε τρεις μήνες αργότερα, ήταν η τελευταία φορά που έπαιξε σε αυτόν τον ρόλο.
Το "Autumn Leaves" ανοίγει με μια ατμοσφαιρική σύντομη μελωδία/vamp από το πιάνο του Hank Jones, διπλασιασμένη στο μπάσο από τον Sam Jones. Ο Μάιλς εισάγει το θέμα με τον χαρακτηριστικό του ήχο, της σουρτίνας Harmon, προτού ο Cannonball περάσει στο επίκεντρο για δύο ρεφρέν έντονου λυρισμού.
Ο Τζόουνς παρουσιάζει το "Love For Sale" στο πιο ραψωδικό του. Ο Μάιλς χειρίζεται για άλλη μια φορά το θέμα πάνω από τα νόστιμα σκουπάκια του Art Blakey που οδηγεί τον Adderley στο πιο δυνατό του σουίνγκ, με αποφασιστικότητα. Ο τρομπετίστας, σε αυτή την περίοδο πάντα έξοχα προετοιμασμένος, δημιουργεί με την μια νότα του μια διεγερτική αντίθεση μεταξύ των πνευστών. Το "One For Daddy-O", που παρουσιάζεται εδώ, είναι ένα χαριτωμένο, απλοϊκό δωδεκάμετρο μινόρε μπλουζ από τον μικρότερο αδελφό του, Nat Adderley.
Με το μοναδικό του βιμπράτο, ο Cannonball δίνει μια συναισθηματική ανάγνωση στο "Dancing In The Dark" —ένα χαρακτηριστικό που είχε προταθεί από τον Miles εκείνη την ημέρα. Όπως πάντα, η ερμηνεία του Art Blakey είναι ένα σεμινάριο στα τύμπανα των μικρών γκρουπ, αποφεύγοντας εδώ τα συνηθισμένα του δυνατά ρολαρίσματα, αλλά καταφέρνει ακόμα να περιλαμβάνει εξαιρετικά αποτελεσματικά κρουστικά εφέ παντού. Ένα απαραίτητο άλμπουμ για κάθε σοβαρό τζαζ συλλέκτη.
Κομμάτια: A1 Autumn Leaves (Prevert, Kosma) - 10:58, A2 Love For Sale (Cole Porter) - 7:03, B1 Somethin' Else (Miles Davis) - 8:12, B2 One For Daddy-O (Nat Adderley) - 8:21, B3 Dancing In The Dark (Schwartz, Dietz) - 4:04
Μουσικοί: Cannonball Adderley (άλτο σαξόφωνο), Miles Davis (τρομπέτα), Hank Jones (πιάνο), Sam Jones (bass), Art Blakey (μπάσο)
Παραγωγή / Μηχανικός: Alfred Lion[8] / Rudy Van Gelder[23]
Ηχογραφήθηκε ένα μήνα αφότου ο Cannonball Adderley/Κάνονμπολ Άντερλι (1928-1975, 46 χρ.) έκανε το ντεμπούτο του με το σεξτέτο του Miles Davis στο Milestones. Τελικά αποχώρησε από το γκρουπ τον Σεπτέμβριο του 1959, παρά το γεγονός ότι ο αρχηγός του εγγυήθηκε ετήσιο μισθό είκοσι χιλιάδες δολάρια —ένα τεράστιο ποσό για έναν μουσικό που σήμερα ισοδυναμούν περίπου με διακόσιες χιλιάδες δολάρια. Για τον Miles Davis, η εμφάνισή του ως μουσικού στο άλμπουμ του Adderley εκλαμβάνεται ως φιλοφρόνηση. Το Somethin’ Else και το Legrand Jazz του Michel Legrand, το οποίο ηχογραφήθηκε τρεις μήνες αργότερα, ήταν η τελευταία φορά που έπαιξε σε αυτόν τον ρόλο.
Το "Autumn Leaves" ανοίγει με μια ατμοσφαιρική σύντομη μελωδία/vamp από το πιάνο του Hank Jones, διπλασιασμένη στο μπάσο από τον Sam Jones. Ο Μάιλς εισάγει το θέμα με τον χαρακτηριστικό του ήχο, της σουρτίνας Harmon, προτού ο Cannonball περάσει στο επίκεντρο για δύο ρεφρέν έντονου λυρισμού.
Ο Τζόουνς παρουσιάζει το "Love For Sale" στο πιο ραψωδικό του. Ο Μάιλς χειρίζεται για άλλη μια φορά το θέμα πάνω από τα νόστιμα σκουπάκια του Art Blakey που οδηγεί τον Adderley στο πιο δυνατό του σουίνγκ, με αποφασιστικότητα. Ο τρομπετίστας, σε αυτή την περίοδο πάντα έξοχα προετοιμασμένος, δημιουργεί με την μια νότα του μια διεγερτική αντίθεση μεταξύ των πνευστών. Το "One For Daddy-O", που παρουσιάζεται εδώ, είναι ένα χαριτωμένο, απλοϊκό δωδεκάμετρο μινόρε μπλουζ από τον μικρότερο αδελφό του, Nat Adderley.
Με το μοναδικό του βιμπράτο, ο Cannonball δίνει μια συναισθηματική ανάγνωση στο "Dancing In The Dark" —ένα χαρακτηριστικό που είχε προταθεί από τον Miles εκείνη την ημέρα. Όπως πάντα, η ερμηνεία του Art Blakey είναι ένα σεμινάριο στα τύμπανα των μικρών γκρουπ, αποφεύγοντας εδώ τα συνηθισμένα του δυνατά ρολαρίσματα, αλλά καταφέρνει ακόμα να περιλαμβάνει εξαιρετικά αποτελεσματικά κρουστικά εφέ παντού. Ένα απαραίτητο άλμπουμ για κάθε σοβαρό τζαζ συλλέκτη.
9. Miles Davis - Kind Of Blue (Αύγουστος 1959, Columbia) [LP]
Κομμάτια: A1 So What, A2 Freddie Freeloader, A3 Blue In Green, B1 Flamenco Sketches, B2 All Blues
Μουσικοί: Miles Davis (τρομπέτα), Julian "Cannonball" Adderley (άλτο σαξόφωνο: εκτός A3), John Coltrane (τενόρο σαξόφωνο), Bill Evans (πιάνο: εκτός A2), Wynton Kelly (πιάνο: A2), Paul Chambers (κοντραμπάσο), Jimmy Cobb (ντραμς)
Παραγωγή: Irving Townsend[9], Fred Plaut[21]
Μερικές φορές η δημοσιότητα ενός άλμπουμ γίνεται πολύ αποπνικτική. Εύκολα επίθετα όπως "κλασικό", "πρωτοποριακό" και "ορόσημο" πετιούνται πολύ βαριεστημένα, και ανάμεσά τους χάνουμε την αξία του αρχικού υλικού. Ευτυχώς, το Kind Of Blue δεν εντάσσεται σ' αυτή την κατηγορία —είναι μια καθοριστική στιγμή για το είδος στη μουσική του εικοστού αιώνα, τελεία και παύλα.
Από το 1955, ο Miles Davis/Μάιλς Ντέιβις (1926-1991, 65 χρ.) έπαιζε με τον σαξοφωνίστα John Coltrane και τα επόμενα χρόνια είδαν το γκρουπ του Ντέιβις να βελτιώνει τον ήχο του πριν φτάσει στο Kind Of Blue.
Ηχογραφημένο στο 30th Street Studio της Columbia στη Νέα Υόρκη, τα πέντε κομμάτια γράφτηκαν σε εννέα ώρες και δύο σέσιον, ένα χρονικό πλαίσιο που είναι ακόμα πιο αξιοσημείωτο για την μπάντα που δεν είχε αντιμετωπίσει τα κομμάτια πριν —αυτό ήταν ένα τέχνασμα που χρησιμοποιούσε συχνά ο Davis, νιώθοντας ότι οι μεμονωμένοι μουσικοί θα επικεντρώνονταν περισσότερο στο παίξιμό τους. Ο Ντέιβις βασίστηκε επίσης μόνο σε σύντομες προετοιμασίες, αλλά κατάφερε να οδηγήσει τους παίκτες του σε μια γεμάτο ζωντάνια επίδειξη αυθορμητισμού.
Ο Ντέιβις ξεκαθάρισε σε συνέντευξή του το 1958 ότι βρισκόταν στα πρόθυρα μιας σημαντικής αλλαγής στη μουσική του σκέψη. «Η μουσική έχει γίνει πυκνή», είπε. «Νομίζω ότι ένα κίνημα στην τζαζ ξεκινά μακριά από τη συμβατική σειρά των συγχορδιών και με μια επιστροφή στην έμφαση της μελωδικής παρά της αρμονικής παραλλαγής. Θα υπάρξουν λιγότερες συγχορδίες αλλά άπειρες δυνατότητες για το τι να κάνουμε με αυτές.» Επηρεασμένος από τη θεωρία του συνθέτη George Russell για τη Λυδική τονικότητα, ο Davis παρήγαγε απλά, αργά κινούμενα αρμονικά πλαίσια —που επινοήθηκαν μόνο ώρες πριν— και υπέδειξε τις κλίμακες που έπρεπε να γίνουν για να χρησιμοποιηθούν για αυτοσχεδιασμό. Η μουσική που προέκυψε ήταν ένας μοναδικά όμορφος θρίαμβος περιεχομένου έναντι της φόρμας.
Από το μιντ-τέμπο "So What", το άλμπουμ διασχίζει ένα ευρύ φάσμα στυλ, όπως το στοιχειωμένο "Blue In Green", με το ήπιο πιάνο του Bill Evans να συνοδεύει την πένθιμη τρομπέτα του Davis, και οι νωθρές ισπανικές επιρροές των "Flamenco Sketches". Στο πιο προσανατολισμένο προς το μπλουζ κομμάτι του άλμπουμ, "Freddie Freeloader", ο Ντέιβις έβαλε τον Κέλι να παίξει αντί του Έβανς, ενώ το "All Blues" είναι μια φόρμα δωδεκάμετρου μπλουζ σε χρόνο 6/8. Το δέσιμο της μπάντας αντανακλάται στις έξι λήψεις που απαιτήθηκαν για την ηχογράφηση πέντε κομματιών καθώς, μόνο το "Flamenco Sketches" χρειάστηκε ένα δεύτερο προβάρισμα.
Το άλμπουμ περιλούστηκε με επαίνους από την κυκλοφορία του. Εξαιρετικά δημοφιλές και με επιρροή, το Kind Of Blue είναι σπάνιο ανάμεσα στα σπουδαία έργα τέχνης, ένα μοντέρνο αριστούργημα του οποίου το εκτόπισμα είναι ουσιαστικά αδιαμφισβήτητο.
«Δεν δίνω καμία σημασία στο τι λένε οι κριτικοί για μένα, καλό ή κακό. Ο πιο σκληρός κριτικός που έχω είναι ο εαυτός μου... και είμαι πολύ ματαιόδοξος για να παίξω οτιδήποτε θεωρώ κακό.» - Miles Davis, 1962
Miles Davis, 1959 (φωτογραφία Don Hunstein)
Κομμάτια: A1 So What, A2 Freddie Freeloader, A3 Blue In Green, B1 Flamenco Sketches, B2 All Blues
Μουσικοί: Miles Davis (τρομπέτα), Julian "Cannonball" Adderley (άλτο σαξόφωνο: εκτός A3), John Coltrane (τενόρο σαξόφωνο), Bill Evans (πιάνο: εκτός A2), Wynton Kelly (πιάνο: A2), Paul Chambers (κοντραμπάσο), Jimmy Cobb (ντραμς)
Παραγωγή: Irving Townsend[9], Fred Plaut[21]
Μερικές φορές η δημοσιότητα ενός άλμπουμ γίνεται πολύ αποπνικτική. Εύκολα επίθετα όπως "κλασικό", "πρωτοποριακό" και "ορόσημο" πετιούνται πολύ βαριεστημένα, και ανάμεσά τους χάνουμε την αξία του αρχικού υλικού. Ευτυχώς, το Kind Of Blue δεν εντάσσεται σ' αυτή την κατηγορία —είναι μια καθοριστική στιγμή για το είδος στη μουσική του εικοστού αιώνα, τελεία και παύλα.
Από το 1955, ο Miles Davis/Μάιλς Ντέιβις (1926-1991, 65 χρ.) έπαιζε με τον σαξοφωνίστα John Coltrane και τα επόμενα χρόνια είδαν το γκρουπ του Ντέιβις να βελτιώνει τον ήχο του πριν φτάσει στο Kind Of Blue.
Ηχογραφημένο στο 30th Street Studio της Columbia στη Νέα Υόρκη, τα πέντε κομμάτια γράφτηκαν σε εννέα ώρες και δύο σέσιον, ένα χρονικό πλαίσιο που είναι ακόμα πιο αξιοσημείωτο για την μπάντα που δεν είχε αντιμετωπίσει τα κομμάτια πριν —αυτό ήταν ένα τέχνασμα που χρησιμοποιούσε συχνά ο Davis, νιώθοντας ότι οι μεμονωμένοι μουσικοί θα επικεντρώνονταν περισσότερο στο παίξιμό τους. Ο Ντέιβις βασίστηκε επίσης μόνο σε σύντομες προετοιμασίες, αλλά κατάφερε να οδηγήσει τους παίκτες του σε μια γεμάτο ζωντάνια επίδειξη αυθορμητισμού.
Ο Ντέιβις ξεκαθάρισε σε συνέντευξή του το 1958 ότι βρισκόταν στα πρόθυρα μιας σημαντικής αλλαγής στη μουσική του σκέψη. «Η μουσική έχει γίνει πυκνή», είπε. «Νομίζω ότι ένα κίνημα στην τζαζ ξεκινά μακριά από τη συμβατική σειρά των συγχορδιών και με μια επιστροφή στην έμφαση της μελωδικής παρά της αρμονικής παραλλαγής. Θα υπάρξουν λιγότερες συγχορδίες αλλά άπειρες δυνατότητες για το τι να κάνουμε με αυτές.» Επηρεασμένος από τη θεωρία του συνθέτη George Russell για τη Λυδική τονικότητα, ο Davis παρήγαγε απλά, αργά κινούμενα αρμονικά πλαίσια —που επινοήθηκαν μόνο ώρες πριν— και υπέδειξε τις κλίμακες που έπρεπε να γίνουν για να χρησιμοποιηθούν για αυτοσχεδιασμό. Η μουσική που προέκυψε ήταν ένας μοναδικά όμορφος θρίαμβος περιεχομένου έναντι της φόρμας.
Από το μιντ-τέμπο "So What", το άλμπουμ διασχίζει ένα ευρύ φάσμα στυλ, όπως το στοιχειωμένο "Blue In Green", με το ήπιο πιάνο του Bill Evans να συνοδεύει την πένθιμη τρομπέτα του Davis, και οι νωθρές ισπανικές επιρροές των "Flamenco Sketches". Στο πιο προσανατολισμένο προς το μπλουζ κομμάτι του άλμπουμ, "Freddie Freeloader", ο Ντέιβις έβαλε τον Κέλι να παίξει αντί του Έβανς, ενώ το "All Blues" είναι μια φόρμα δωδεκάμετρου μπλουζ σε χρόνο 6/8. Το δέσιμο της μπάντας αντανακλάται στις έξι λήψεις που απαιτήθηκαν για την ηχογράφηση πέντε κομματιών καθώς, μόνο το "Flamenco Sketches" χρειάστηκε ένα δεύτερο προβάρισμα.
Το άλμπουμ περιλούστηκε με επαίνους από την κυκλοφορία του. Εξαιρετικά δημοφιλές και με επιρροή, το Kind Of Blue είναι σπάνιο ανάμεσα στα σπουδαία έργα τέχνης, ένα μοντέρνο αριστούργημα του οποίου το εκτόπισμα είναι ουσιαστικά αδιαμφισβήτητο.
«Δεν δίνω καμία σημασία στο τι λένε οι κριτικοί για μένα, καλό ή κακό. Ο πιο σκληρός κριτικός που έχω είναι ο εαυτός μου... και είμαι πολύ ματαιόδοξος για να παίξω οτιδήποτε θεωρώ κακό.» - Miles Davis, 1962
Miles Davis, 1959 (φωτογραφία Don Hunstein)
- Kind of Blue [
Playlist] -
(Α->Δ) Bill Evans, Miles Davis, Cannonball Adderley, John Coltrane
Playlist] -(Α->Δ) Bill Evans, Miles Davis, Cannonball Adderley, John Coltrane
10. Ornette Coleman - The Shape Of Jazz To Come (Νοέμβριος 1959, Atlantic) [LP]
Κομμάτια: A1 Lonely Woman - 4:59, A2 Eventually - 4:20, A3 Peace - 9:04, B1 Focus On Sanity - 6:50, B2 Congeniality - 6:41, B3 Chronology - 6:05
Μουσικοί: Ornette Coleman (άλτο σαξόφωνο, σύνθεση), Don Cherry (κορνέτα), Charlie Haden (μπάσο), Billy Higgins (τύμπανα)
Παραγωγή / Μηχανικός: Nesuhi Ertegün[10] / Bones Howe[26]
Ο Ornette Coleman/Ορνέτ Κόλμαν (1930-2015, 85 χρ.) ήταν αναμφισβήτητα ο τελευταίος μουσικός που εισήγαγε μια πραγματικά σεισμική αλλαγή στα στυλ της τζαζ. Οδήγησε το κίνημα της Φρι Τζαζ της δεκαετίας του 1960, μια ταμπέλα που δανείστηκε από ένα άλμπουμ του (αν και είπε ότι ήταν εφεύρεση της δισκογραφικής εταιρείας και ισχυρίστηκε ότι δεν του άρεσε). Μεγάλωσε με την παράδοση του Τέξας των σκληροτράχηλων σαξοφωνιστών με μπλουζ ρίζες, αλλά από τα πρώτα του πειράματα εξέλιξε μια μοναδική και ιδιότυπη προσέγγιση της τζαζ και τον απέφευγαν τακτικά από τις σκηνές στην πολιτεία του και αργότερα στην Καλιφόρνια, όπου τελικά ήρθε σε επαφή με μουσικούς που έδειξαν κατανόηση στις ριζοσπαστικές του ιδέες.
Μέσα σ' αυτούς περιλαμβάνονταν και τα μέλη που αποτέλεσαν το βασικό κουαρτέτο που εμφανίστηκε σε αυτόν τον δίσκο. Ξεπετάχτηκαν στη σκηνή της τζαζ της Νέας Υόρκης το 1959 ως ένα πλήρως ανεπτυγμένο φαινόμενο. Η διαμονή τους στο The Five Spot ήταν η συζήτηση της πόλης για μήνες, όταν ο ριζικά νέος ήχος τους πόλωσε κριτικούς, μουσικούς και κοινό της τζαζ, συνεχίζοντας να το κάνει ακόμα και τώρα. Ο μπασίστας Charlie Haden/Τσάρλι Χάντεν θυμήθηκε την πρώτη φορά που άκουσε τον Ornette: «Αυτός ο τύπος ανέβηκε στη σκηνή, ρώτησε τους μουσικούς αν μπορούσε να παίξει και άρχισε να παρακολουθεί. Έπαιξε τρεις ή τέσσερις φράσεις, δεν μπορούσα να το πιστέψω —δεν είχα ξανακούσει τέτοιο ήχο».
Η Atlantic Records είχε κάνει το όνομά της ως δισκογραφική του ρυθμ εντ μπλουζ, αλλά έφτιαχνε ένα εντυπωσιακό τζαζ ρόστερ, με τους Ray Charles και John Coltrane μεταξύ των σταρ της. Οι αδερφοί Ertegun άδραξαν την ευκαιρία για να πάρουν αυτή τη νέα και επίμαχη αίσθηση και λανσάρισαν το άλμπουμ με τον προκλητικό τίτλο The Shape Of Jazz To Come. Αυτό ακολούθησε το ντεμπούτο του για την εταιρεία Contemporary με έδρα την Καλιφόρνια, Something Else!!! του 1958, και έθεσε έναν στόχο που θα αναπτύξει τις επόμενες δεκαετίες. Η νέα προσέγγισή του αποδείχθηκε —και παραμένει— καθοριστική επιρροή στις επόμενες γενιές καινοτόμων μουσικών σε όλο τον κόσμο, αλλά πολλοί ακροατές που ανατράφηκαν στις καλά καθορισμένες ρυθμικές και αρμονικές σχέσεις της τζαζ άκουσαν μόνο χαοτική πολυφωνία.
«Παίζω καθαρό συναίσθημα», υποστήριξε τότε. «Οι μουσικοί θα πρέπει να είναι ελεύθεροι να παίζουν όπως το νιώθουν, όπως τους βολεύει.» Η μουσική του Coleman αυτής της περιόδου ακούγεται πολύ πιο προσιτή σήμερα, σε σημείο που είναι δύσκολο να καταλάβει κανείς γιατί θεωρήθηκε τόσο απαράδεκτη. Η επαναστατική ιδέα του Coleman επικεντρώθηκε στην εγκατάλειψη των αρμονικών δομών που ήταν κεντρικές σε όλα τα προηγούμενα τζαζ στυλ υπέρ ενός μουσικού συστήματος που ονομάστηκε Harmolodics. Η προσέγγισή του βασιζόταν στον αυτοσχεδιασμό κατά μήκος μελωδικών και όχι συγχορδιακών γραμμών ανάπτυξης, με τα παραδοσιακά ρυθμικά όργανα του μπάσου και των ντραμς να καλούνται να συνεισφέρουν εξίσου με τα δύο κόρνα.
Από τα μεμονωμένα κομμάτια, το στοιχειωμένο "Lonely Woman" είναι ένα παγερό κλασικό και το "Congeniality" και το "Peace" δεν είναι πολύ πίσω. Οποιαδήποτε κατανόηση της πρωτοπορίας της τζαζ πρέπει να ξεκινήσει εδώ. Ένας πραγματικά νέος ήχος είχε φτάσει στην τζαζ.
ο Ornette Coleman ποζάρει κρατώντας το σαξόφωνό του γύρω στο 1959 (φωτογραφία Michael Ochs)
Κομμάτια: A1 Lonely Woman - 4:59, A2 Eventually - 4:20, A3 Peace - 9:04, B1 Focus On Sanity - 6:50, B2 Congeniality - 6:41, B3 Chronology - 6:05
Μουσικοί: Ornette Coleman (άλτο σαξόφωνο, σύνθεση), Don Cherry (κορνέτα), Charlie Haden (μπάσο), Billy Higgins (τύμπανα)
Παραγωγή / Μηχανικός: Nesuhi Ertegün[10] / Bones Howe[26]
Ο Ornette Coleman/Ορνέτ Κόλμαν (1930-2015, 85 χρ.) ήταν αναμφισβήτητα ο τελευταίος μουσικός που εισήγαγε μια πραγματικά σεισμική αλλαγή στα στυλ της τζαζ. Οδήγησε το κίνημα της Φρι Τζαζ της δεκαετίας του 1960, μια ταμπέλα που δανείστηκε από ένα άλμπουμ του (αν και είπε ότι ήταν εφεύρεση της δισκογραφικής εταιρείας και ισχυρίστηκε ότι δεν του άρεσε). Μεγάλωσε με την παράδοση του Τέξας των σκληροτράχηλων σαξοφωνιστών με μπλουζ ρίζες, αλλά από τα πρώτα του πειράματα εξέλιξε μια μοναδική και ιδιότυπη προσέγγιση της τζαζ και τον απέφευγαν τακτικά από τις σκηνές στην πολιτεία του και αργότερα στην Καλιφόρνια, όπου τελικά ήρθε σε επαφή με μουσικούς που έδειξαν κατανόηση στις ριζοσπαστικές του ιδέες.
Μέσα σ' αυτούς περιλαμβάνονταν και τα μέλη που αποτέλεσαν το βασικό κουαρτέτο που εμφανίστηκε σε αυτόν τον δίσκο. Ξεπετάχτηκαν στη σκηνή της τζαζ της Νέας Υόρκης το 1959 ως ένα πλήρως ανεπτυγμένο φαινόμενο. Η διαμονή τους στο The Five Spot ήταν η συζήτηση της πόλης για μήνες, όταν ο ριζικά νέος ήχος τους πόλωσε κριτικούς, μουσικούς και κοινό της τζαζ, συνεχίζοντας να το κάνει ακόμα και τώρα. Ο μπασίστας Charlie Haden/Τσάρλι Χάντεν θυμήθηκε την πρώτη φορά που άκουσε τον Ornette: «Αυτός ο τύπος ανέβηκε στη σκηνή, ρώτησε τους μουσικούς αν μπορούσε να παίξει και άρχισε να παρακολουθεί. Έπαιξε τρεις ή τέσσερις φράσεις, δεν μπορούσα να το πιστέψω —δεν είχα ξανακούσει τέτοιο ήχο».
Η Atlantic Records είχε κάνει το όνομά της ως δισκογραφική του ρυθμ εντ μπλουζ, αλλά έφτιαχνε ένα εντυπωσιακό τζαζ ρόστερ, με τους Ray Charles και John Coltrane μεταξύ των σταρ της. Οι αδερφοί Ertegun άδραξαν την ευκαιρία για να πάρουν αυτή τη νέα και επίμαχη αίσθηση και λανσάρισαν το άλμπουμ με τον προκλητικό τίτλο The Shape Of Jazz To Come. Αυτό ακολούθησε το ντεμπούτο του για την εταιρεία Contemporary με έδρα την Καλιφόρνια, Something Else!!! του 1958, και έθεσε έναν στόχο που θα αναπτύξει τις επόμενες δεκαετίες. Η νέα προσέγγισή του αποδείχθηκε —και παραμένει— καθοριστική επιρροή στις επόμενες γενιές καινοτόμων μουσικών σε όλο τον κόσμο, αλλά πολλοί ακροατές που ανατράφηκαν στις καλά καθορισμένες ρυθμικές και αρμονικές σχέσεις της τζαζ άκουσαν μόνο χαοτική πολυφωνία.
«Παίζω καθαρό συναίσθημα», υποστήριξε τότε. «Οι μουσικοί θα πρέπει να είναι ελεύθεροι να παίζουν όπως το νιώθουν, όπως τους βολεύει.» Η μουσική του Coleman αυτής της περιόδου ακούγεται πολύ πιο προσιτή σήμερα, σε σημείο που είναι δύσκολο να καταλάβει κανείς γιατί θεωρήθηκε τόσο απαράδεκτη. Η επαναστατική ιδέα του Coleman επικεντρώθηκε στην εγκατάλειψη των αρμονικών δομών που ήταν κεντρικές σε όλα τα προηγούμενα τζαζ στυλ υπέρ ενός μουσικού συστήματος που ονομάστηκε Harmolodics. Η προσέγγισή του βασιζόταν στον αυτοσχεδιασμό κατά μήκος μελωδικών και όχι συγχορδιακών γραμμών ανάπτυξης, με τα παραδοσιακά ρυθμικά όργανα του μπάσου και των ντραμς να καλούνται να συνεισφέρουν εξίσου με τα δύο κόρνα.
Από τα μεμονωμένα κομμάτια, το στοιχειωμένο "Lonely Woman" είναι ένα παγερό κλασικό και το "Congeniality" και το "Peace" δεν είναι πολύ πίσω. Οποιαδήποτε κατανόηση της πρωτοπορίας της τζαζ πρέπει να ξεκινήσει εδώ. Ένας πραγματικά νέος ήχος είχε φτάσει στην τζαζ.
ο Ornette Coleman ποζάρει κρατώντας το σαξόφωνό του γύρω στο 1959 (φωτογραφία Michael Ochs)
11. The Dave Brubeck Quartet - Time Out (Δεκέμβριος 1959, Columbia) [LP]
Κομμάτια: A1 Blue Rondo A La Turk, A2 Strange Meadow Lark, A3 Take Five (P. Desmond), B1 Three To Get Ready, B2 Kathy's Waltz, B3 Everybody's Jumpin', B4 Pick Up Sticks
Μουσικοί: Dave Brubeck (πιάνο), Paul Desmond (άλτο σαξόφωνο), Eugene Wright (μπάσο), Joe Morello (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικοί: Teo Macero[11] / Pat Maher, Fred Plaut[21]
Ο Dave Brubeck/Ντέιβ Μπρούμπεκ (1920-2012, 91 χρ.) εμφανίστηκε μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο ως πιανίστας, του οποίου το εκλεκτικό στυλ οφειλόταν σε πολλές διαφορετικές σχολές παιξίματος πιάνου. Διάσημος κυρίως για τα πειράματά του με τον ρυθμό, επηρεασμένος εξίσου από τον Μπαχ όσο και από το σουίνγκ, οι συνθέσεις του θα πρόδιδαν εκλεπτυσμένες χρονικές υπογραφές συνυφασμένες με κλασικές αναφορές.
Μια επιτυχία ήταν το τελευταίο πράγμα που περίμενε ο Dave Brubeck όταν πήγε στο στούντιο το 1959 με μια δέσμη περίεργα-χρονισμένης μουσικής. Ο διοπτροφόρος πιανίστας είχε ήδη δημιουργήσει μια αξιοζήλευτη αυτοκρατορία θαυμαστών μέσω των πρωτοποριακών συναυλιών του σε πανεπιστημιουπόλεις. Ένας χαρούμενος πειραματικός παίκτης που δεν άφησε ποτέ τη δημοτικότητά του να συγκρουστεί με την πηγή έμπνευσής του, ο Brubeck ηχογράφησε ένα από τα πιο δημοφιλή τζαζ άλμπουμ όλων των εποχών με ένα τουλάχιστον απίθανο υλικό. Το κομμάτι "Take Five", που συλλήφθηκε με την προηγουμένως ασφαλή σουίνγκ χρονική υπογραφή των 5/4, βρίσκει τον πιανίστα να διατηρεί μια σταθερή, κρουστή επαναλαμβανόμενη μουσική ακολουθία, ενώ ο άλτο σαξοφωνίστας Paul Desmond υφαίνει μια ελικοειδή γραμμή. Από πολλές απόψεις, ο Brubeck δεν είναι ο πρωταγωνιστής της διαδικασίας. Ξεχνιέται συχνά ότι ήταν ο Desmond, με τον κουλ ήχο του, που έπαιξε τόσο σημαντικό ρόλο στην επιτυχία του κουαρτέτου, γράφοντας το μακρόχρονο χιτ.
Εξίσου σημαντική είναι η υπέροχη, γεμάτη αυτοπεποίθηση, δουλειά του Joe Morello στα ντραμς και το παίξιμο ακλόνητου μπάσου του Eugene Wright, που μετατρέπουν τόσο δύσκολο υλικό όπως το εναρκτήριο "Blue Rondo à la Turk", ένα μοναδικό υβρίδιο τουρκικής φολκ και κλασικής σύνθεσης σε χρόνο 9/8 και το έξυπνα ατμοσφαιρικό "Three To Get Ready", το οποίο αμφιταλαντεύεται μεταξύ χρόνου 3/4 και 4/4, σε βασικά διαρκείας της τζαζ. Μην ξεχνάμε, αυτή ήταν η εποχή που ο John Coltrane, ο Cecil Taylor και ο Ornette Coleman χάραζαν φρι-τζαζ διαδρομές. Και οι προκλήσεις συνεχίζονται μέχρι το τέλος, με το "Strange Meadow Lark" να μεταφέρει τον ακροατή σε ένα ταξίδι μελωδικό όσο και παράξενο, χάρη στο άλτο σαξόφωνο του Paul Desmond και το θρηνητικό σόλο πιάνου του Brubeck, ενώ το "Kathy's Waltz" είναι μια άλλη διεγερτική εγκεφαλική περιήγηση. Αν και όλα τα κομμάτια είναι πλούσια μελωδικά, το γκρουπ στήνει μεταβαλλόμενες πολυρυθμικές αντιστίξεις που γνέφουν σε αφρικάνικες και ανατολικές μουσικές, προσφέροντας πνευματική απόλαυση, χωρίς όμως ποτέ να σταματά να διασκεδάζει.
Στην αυτοκαταστροφική λογική των κριτικών της τζαζ, ο συχνά κακολογούμενος Brubeck έχασε ακόμη περισσότερο εκτόπισμα με την ευρείας αποδοχής επιτυχία του Time Out. Αλλά το άλμπουμ συνεχίζει να πουλάει καλά μέχρι σήμερα και, παρά τη διάχυτη χρήση του στις διαφημίσεις, είναι ένα σαγηνευτικό επίτευγμα και μια συναρπαστική, μερικές φορές υπνωτική εμπειρία στην οποία ο Dave Brubeck και τα δημιουργικά ταλέντα του κουαρτέτου του αποκαλύπτονται πλήρως. Καμία τζαζ συλλογή δεν θα ήταν ολοκληρωμένη χωρίς αυτό.
«Ανυπομονώ για την ημέρα που θα ηχογραφήσω όλα όσα έχω γράψει, αλλά δεν νομίζω ότι θα υπάρξει αυτή η μέρα». - Dave Brubeck, 2002
(από δεξιά) οι Dave Brubeck, Paul Desmond, Eugene Wright και Joe Morello ηχογραφούν το "Take Five" στα 30th Street στούντιο της Columbia
Κομμάτια: A1 Blue Rondo A La Turk, A2 Strange Meadow Lark, A3 Take Five (P. Desmond), B1 Three To Get Ready, B2 Kathy's Waltz, B3 Everybody's Jumpin', B4 Pick Up Sticks
Μουσικοί: Dave Brubeck (πιάνο), Paul Desmond (άλτο σαξόφωνο), Eugene Wright (μπάσο), Joe Morello (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικοί: Teo Macero[11] / Pat Maher, Fred Plaut[21]
Ο Dave Brubeck/Ντέιβ Μπρούμπεκ (1920-2012, 91 χρ.) εμφανίστηκε μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο ως πιανίστας, του οποίου το εκλεκτικό στυλ οφειλόταν σε πολλές διαφορετικές σχολές παιξίματος πιάνου. Διάσημος κυρίως για τα πειράματά του με τον ρυθμό, επηρεασμένος εξίσου από τον Μπαχ όσο και από το σουίνγκ, οι συνθέσεις του θα πρόδιδαν εκλεπτυσμένες χρονικές υπογραφές συνυφασμένες με κλασικές αναφορές.
Μια επιτυχία ήταν το τελευταίο πράγμα που περίμενε ο Dave Brubeck όταν πήγε στο στούντιο το 1959 με μια δέσμη περίεργα-χρονισμένης μουσικής. Ο διοπτροφόρος πιανίστας είχε ήδη δημιουργήσει μια αξιοζήλευτη αυτοκρατορία θαυμαστών μέσω των πρωτοποριακών συναυλιών του σε πανεπιστημιουπόλεις. Ένας χαρούμενος πειραματικός παίκτης που δεν άφησε ποτέ τη δημοτικότητά του να συγκρουστεί με την πηγή έμπνευσής του, ο Brubeck ηχογράφησε ένα από τα πιο δημοφιλή τζαζ άλμπουμ όλων των εποχών με ένα τουλάχιστον απίθανο υλικό. Το κομμάτι "Take Five", που συλλήφθηκε με την προηγουμένως ασφαλή σουίνγκ χρονική υπογραφή των 5/4, βρίσκει τον πιανίστα να διατηρεί μια σταθερή, κρουστή επαναλαμβανόμενη μουσική ακολουθία, ενώ ο άλτο σαξοφωνίστας Paul Desmond υφαίνει μια ελικοειδή γραμμή. Από πολλές απόψεις, ο Brubeck δεν είναι ο πρωταγωνιστής της διαδικασίας. Ξεχνιέται συχνά ότι ήταν ο Desmond, με τον κουλ ήχο του, που έπαιξε τόσο σημαντικό ρόλο στην επιτυχία του κουαρτέτου, γράφοντας το μακρόχρονο χιτ.
Εξίσου σημαντική είναι η υπέροχη, γεμάτη αυτοπεποίθηση, δουλειά του Joe Morello στα ντραμς και το παίξιμο ακλόνητου μπάσου του Eugene Wright, που μετατρέπουν τόσο δύσκολο υλικό όπως το εναρκτήριο "Blue Rondo à la Turk", ένα μοναδικό υβρίδιο τουρκικής φολκ και κλασικής σύνθεσης σε χρόνο 9/8 και το έξυπνα ατμοσφαιρικό "Three To Get Ready", το οποίο αμφιταλαντεύεται μεταξύ χρόνου 3/4 και 4/4, σε βασικά διαρκείας της τζαζ. Μην ξεχνάμε, αυτή ήταν η εποχή που ο John Coltrane, ο Cecil Taylor και ο Ornette Coleman χάραζαν φρι-τζαζ διαδρομές. Και οι προκλήσεις συνεχίζονται μέχρι το τέλος, με το "Strange Meadow Lark" να μεταφέρει τον ακροατή σε ένα ταξίδι μελωδικό όσο και παράξενο, χάρη στο άλτο σαξόφωνο του Paul Desmond και το θρηνητικό σόλο πιάνου του Brubeck, ενώ το "Kathy's Waltz" είναι μια άλλη διεγερτική εγκεφαλική περιήγηση. Αν και όλα τα κομμάτια είναι πλούσια μελωδικά, το γκρουπ στήνει μεταβαλλόμενες πολυρυθμικές αντιστίξεις που γνέφουν σε αφρικάνικες και ανατολικές μουσικές, προσφέροντας πνευματική απόλαυση, χωρίς όμως ποτέ να σταματά να διασκεδάζει.
Στην αυτοκαταστροφική λογική των κριτικών της τζαζ, ο συχνά κακολογούμενος Brubeck έχασε ακόμη περισσότερο εκτόπισμα με την ευρείας αποδοχής επιτυχία του Time Out. Αλλά το άλμπουμ συνεχίζει να πουλάει καλά μέχρι σήμερα και, παρά τη διάχυτη χρήση του στις διαφημίσεις, είναι ένα σαγηνευτικό επίτευγμα και μια συναρπαστική, μερικές φορές υπνωτική εμπειρία στην οποία ο Dave Brubeck και τα δημιουργικά ταλέντα του κουαρτέτου του αποκαλύπτονται πλήρως. Καμία τζαζ συλλογή δεν θα ήταν ολοκληρωμένη χωρίς αυτό.
«Ανυπομονώ για την ημέρα που θα ηχογραφήσω όλα όσα έχω γράψει, αλλά δεν νομίζω ότι θα υπάρξει αυτή η μέρα». - Dave Brubeck, 2002
(από δεξιά) οι Dave Brubeck, Paul Desmond, Eugene Wright και Joe Morello ηχογραφούν το "Take Five" στα 30th Street στούντιο της Columbia
12. Wes Montgomery - The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery (Απρίλιος 1960, Riverside) [LP]
Κομμάτια: A1 Airegin (Sonny Rollins) - 4:24, A2 D-Natural Blues (Wes Montgomery) - 5:18, A3 Polka Dots And Moonbeams (Burke, Van Heusen) - 4:38, A4 Four On Six (Wes Montgomery) - 6:10, B1 West Coast Blues (Wes Montgomery) - 7:20, B2 In Your Own Sweet Way (Dave Brubeck) - 4:45, B3 Mister Walker (Wes Montgomery) - 4:28, B4 Gone With The Wind (Wrubel, Magidson) - 6:13
Μουσικοί: Wes Montgomery (ηλεκτρική κιθάρα), Tommy Flanagan (πιάνο), Percy Heath (μπάσο), Albert Heath (τύμπανα)
Παραγωγή / Μηχανικός: Orrin Keepnews[5] / Jack Higgins[24]
Ο Wes Montgomery/Ουές Μοντγκόμερι (1923-1968, 45 χρ.) ήταν ένας από τους πιο καινοτόμους ηλεκτρικούς κιθαρίστες που έζησαν ποτέ. Αφού σχημάτισε ένα τρίο με τα αδέρφια του στα μέσα της δεκαετίας του 1950 και έπαιξε με τους Lionel Hampton και Freddie Hubbard, ο Montgomery τελικά 'ανακαλύφθηκε' από τον Cannonball Adderley και υπέγραψε αμέσως στη Riverside Records. Κυκλοφόρησε το δεύτερο σόλο LP του, The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, το 1960 και σύντομα έγινε πολύ γνωστό.
Η μοναδική τεχνική του Μοντγκόμερι ήταν αποτέλεσμα του, ότι υπήρξε αυτοδίδακτος, που σύμφωνα με τα λόγια του σαξοφωνίστα Ronnie Scott, του επέτρεψε να παίζει «αδύνατα πράγματα στην κιθάρα γιατί ποτέ δεν του επισημάνθηκε ότι ήταν αδύνατα». Αντί να χρησιμοποιεί πένα, ο Wes παίζει με τον αντίχειρά του, και στην πραγματικότητα, η τεχνική του είναι ίσως ο κύριος λόγος που μπόρεσε να πετύχει έναν τόσο ζεστό και πλούσιο τόνο, που δεν εμπόδιζε τις επιδέξιες, ρευστές μελωδίες του. Παρόλο που η τεχνική επάρκεια του Μοντγκόμερι, ιδιαίτερα η εκπληκτική χρήση των οκτάβων, πρέπει να ακουστεί για να γίνει πιστευτή, το The Incredible Jazz Guitar αντέχει στο χρόνο και χάρη στις συνεισφορές της μπάντας του, που περιλαμβάνει τον Tommy Flanagan και τους αδελφούς Percy και Albert Heath. Το άψογο παίξιμό του ταιριάζει απόλυτα με το καυτό τους χαρντ μποπ.
Ο Μοντγκόμερι δεν φοβάται να συμπεριλάβει διασκευές στο ρεπερτόριό του. Το άλμπουμ ανοίγει με το "Airegin" του Sonny Rollins (το Nigeria γραμμένο ανάποδα) σε γρήγορο ρυθμό. Το "In Your Own Sweet Way" του Dave Brubeck προστίθεται επίσης στον κατάλογο. Το διάσημο επαναλαμβανόμενο μόνταλ προγκρέσιβ και χαρντ μποπ τζαμάρισμα "Four On Six" είναι ένας ενδιαφέρον τίτλος από τον Montgomery, αναφερόμενος στα 4/4 σε ένα μέτρο που τοποθετείται πάνω από έναν ρυθμό 6/8, και το επίσης το δικό του, αθάνατο σόουλ βαλς "West Coast Blues", που αποδίδεται αβίαστα με την αξέχαστη μελωδία του και τις ρέουσες, κομψές γραμμές. Το "Gone With The Wind" είναι ένα ωραίο κεφάτο, μεσαίου τέμπο, σουίνγκ με πολλές μπλουζ φράσεις, που αναδεικνύουν το κομψό του άγγιγμα στην κιθάρα. Στην πραγματικότητα, το καλύτερο χαρακτηριστικό του Μοντγκόμερι είναι η ικανότητά του να ταιριάζει φυσικά σε όποιον ήχο και δομή απαιτεί η στιγμή. Δημιουργεί ένα εντελώς νέο τζαζ λεξιλόγιο με κάθε νότα, ανοίγοντας το δρόμο για τις επόμενες γενιές των επίδοξων κιθαριστών.
Ως ένα από τα πιο σημαντικά και με μεγάλη επιρροή, κιθαριστικά άλμπουμ όλων των εποχών, το The Incredible Jazz Guitar του Wes Montgomery συνεχίζει να αποτελεί αναπόσπαστο κομμάτι του τζαζ ρεπερτορίου. Αν και το στυλ είναι κάπως τυπικό χαρντ μποπ, η μουσική άνοιξε έναν νέο κόσμο δυνατοτήτων που δεν είχαν ακουστεί πριν. Για αυτόν τον λόγο, παραμένει το καλύτερο άλμπουμ του Montgomery.
ο Ουές Μοντγκόμερι ποζάρει για τη Riverside Records περίπου το 1960 (φωτογραφία Michael Ochs)
Κομμάτια: A1 Airegin (Sonny Rollins) - 4:24, A2 D-Natural Blues (Wes Montgomery) - 5:18, A3 Polka Dots And Moonbeams (Burke, Van Heusen) - 4:38, A4 Four On Six (Wes Montgomery) - 6:10, B1 West Coast Blues (Wes Montgomery) - 7:20, B2 In Your Own Sweet Way (Dave Brubeck) - 4:45, B3 Mister Walker (Wes Montgomery) - 4:28, B4 Gone With The Wind (Wrubel, Magidson) - 6:13
Μουσικοί: Wes Montgomery (ηλεκτρική κιθάρα), Tommy Flanagan (πιάνο), Percy Heath (μπάσο), Albert Heath (τύμπανα)
Παραγωγή / Μηχανικός: Orrin Keepnews[5] / Jack Higgins[24]
Ο Wes Montgomery/Ουές Μοντγκόμερι (1923-1968, 45 χρ.) ήταν ένας από τους πιο καινοτόμους ηλεκτρικούς κιθαρίστες που έζησαν ποτέ. Αφού σχημάτισε ένα τρίο με τα αδέρφια του στα μέσα της δεκαετίας του 1950 και έπαιξε με τους Lionel Hampton και Freddie Hubbard, ο Montgomery τελικά 'ανακαλύφθηκε' από τον Cannonball Adderley και υπέγραψε αμέσως στη Riverside Records. Κυκλοφόρησε το δεύτερο σόλο LP του, The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, το 1960 και σύντομα έγινε πολύ γνωστό.
Η μοναδική τεχνική του Μοντγκόμερι ήταν αποτέλεσμα του, ότι υπήρξε αυτοδίδακτος, που σύμφωνα με τα λόγια του σαξοφωνίστα Ronnie Scott, του επέτρεψε να παίζει «αδύνατα πράγματα στην κιθάρα γιατί ποτέ δεν του επισημάνθηκε ότι ήταν αδύνατα». Αντί να χρησιμοποιεί πένα, ο Wes παίζει με τον αντίχειρά του, και στην πραγματικότητα, η τεχνική του είναι ίσως ο κύριος λόγος που μπόρεσε να πετύχει έναν τόσο ζεστό και πλούσιο τόνο, που δεν εμπόδιζε τις επιδέξιες, ρευστές μελωδίες του. Παρόλο που η τεχνική επάρκεια του Μοντγκόμερι, ιδιαίτερα η εκπληκτική χρήση των οκτάβων, πρέπει να ακουστεί για να γίνει πιστευτή, το The Incredible Jazz Guitar αντέχει στο χρόνο και χάρη στις συνεισφορές της μπάντας του, που περιλαμβάνει τον Tommy Flanagan και τους αδελφούς Percy και Albert Heath. Το άψογο παίξιμό του ταιριάζει απόλυτα με το καυτό τους χαρντ μποπ.
Ο Μοντγκόμερι δεν φοβάται να συμπεριλάβει διασκευές στο ρεπερτόριό του. Το άλμπουμ ανοίγει με το "Airegin" του Sonny Rollins (το Nigeria γραμμένο ανάποδα) σε γρήγορο ρυθμό. Το "In Your Own Sweet Way" του Dave Brubeck προστίθεται επίσης στον κατάλογο. Το διάσημο επαναλαμβανόμενο μόνταλ προγκρέσιβ και χαρντ μποπ τζαμάρισμα "Four On Six" είναι ένας ενδιαφέρον τίτλος από τον Montgomery, αναφερόμενος στα 4/4 σε ένα μέτρο που τοποθετείται πάνω από έναν ρυθμό 6/8, και το επίσης το δικό του, αθάνατο σόουλ βαλς "West Coast Blues", που αποδίδεται αβίαστα με την αξέχαστη μελωδία του και τις ρέουσες, κομψές γραμμές. Το "Gone With The Wind" είναι ένα ωραίο κεφάτο, μεσαίου τέμπο, σουίνγκ με πολλές μπλουζ φράσεις, που αναδεικνύουν το κομψό του άγγιγμα στην κιθάρα. Στην πραγματικότητα, το καλύτερο χαρακτηριστικό του Μοντγκόμερι είναι η ικανότητά του να ταιριάζει φυσικά σε όποιον ήχο και δομή απαιτεί η στιγμή. Δημιουργεί ένα εντελώς νέο τζαζ λεξιλόγιο με κάθε νότα, ανοίγοντας το δρόμο για τις επόμενες γενιές των επίδοξων κιθαριστών.
Ως ένα από τα πιο σημαντικά και με μεγάλη επιρροή, κιθαριστικά άλμπουμ όλων των εποχών, το The Incredible Jazz Guitar του Wes Montgomery συνεχίζει να αποτελεί αναπόσπαστο κομμάτι του τζαζ ρεπερτορίου. Αν και το στυλ είναι κάπως τυπικό χαρντ μποπ, η μουσική άνοιξε έναν νέο κόσμο δυνατοτήτων που δεν είχαν ακουστεί πριν. Για αυτόν τον λόγο, παραμένει το καλύτερο άλμπουμ του Montgomery.
ο Ουές Μοντγκόμερι ποζάρει για τη Riverside Records περίπου το 1960 (φωτογραφία Michael Ochs)
13. Oliver Nelson - The Blues And The Abstract Truth (Αύγουστος 1961, Impulse!) [LP]
Κομμάτια: A1 Stolen Moments - 8:45, A2 Hoe Down - 4:43, A3 Cascades - 5:30, B1 Yearnin' - 6:20, B2 Butch And Butch - 4:35, B3 Teenie's Blues - 6:31
Μουσικοί: Freddie Hubbard (τρομπέτα), Eric Dolphy (άλτο σαξόφωνο, φλάουτο), Oliver Nelson (τενόρο σαξόφωνο, άλτο σαξόφωνο: B3), George Barrow (βαρύτονο σαξόφωνο), Bill Evans (πιάνο), Paul Chambers (μπάσο), Roy Haynes (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικός: Creed Taylor[12] / Rudy Van Gelder[23]
Συχνά φαινόταν ότι η μουσική του μάστερ ενορχηστρωτή Oliver Nelson/Όλιβερ Νέλσον (1932-1975, 43 χρ.) αναζητούσε ένα απρόσκοπτο μείγμα της σκέψης του Ellington και του συναισθήματος του Coltrane. Το Blues And The Abstract Truth, που δικαίως θεωρήθηκε από τον Nelson ως το υψηλότερο σημείο του, ήταν εκεί που έκανε αυτό το μείγμα να ακούγεται σαν κανένας άλλος εκτός από τον εαυτό του.
Του άρεσε να ανακατεύει και συνταιριάζει τα στυλ της τζαζ. «Η κλασική μουσική του 19ου αιώνα και η σύγχρονη μουσική του δικού μας 20ου αιώνα», έγραψε ο Νέλσον στις σημειώσεις του άλμπουμ, «προκάλεσαν την ανάγκη υιοθέτησης μιας διαφορετικής οπτικής γωνίας προκειμένου να δημιουργηθεί μουσική που να έχει νόημα και ζωτική σημασία. Μια μέθοδος που ήταν πάντα επιτυχημένη και κρίσιμη τόσο στην κλασική μουσική όσο και στη σημερινή τζαζ είναι να αφήνουμε τις μουσικές ιδέες να καθορίσουν τη μορφή και το σχήμα μιας μουσικής σύνθεσης. Στην πραγματικότητα, αυτό προσπάθησα να κάνω εδώ».
Οι μουσικές ιδέες περιλάμβαναν τζαζ (παραδοσιακή και μοντέρνα), μπλουζ, σπιρίτσουαλς, μουσικά θέματα του Μπρόντγουεϊ, ακόμη και κάντρι μουσική και κλασικές διανθίσεις. Η γεμάτη αστέρια μπάντα, περιλάμβανε τους αστρικούς σολίστ Freddie Hubbard, Bill Evans, Eric Dolphy και τον ίδιο τον Nelson. Αλλά ο Nelson, του οποίου η φήμη ήταν κυρίως για τις ενορχηστρωτικές του ικανότητες, δείχνει ότι είναι και ένας ταλαντούχος, παραπλανητικά χαλαρός σολίστ.
Το "Stolen Moments", το εναρκτήριο κομμάτι, είναι ένα μόνταλ αριστούργημα που επιτρέπει υπέροχα σόλο από τους Freddie Hubbard, Eric Dolphy (φλάουτο), Oliver Nelson και Bill Evans. Υπάρχουν κι' άλλα προκλητικά σόλο του Eric Dolphy στο άλτο σαξόφωνο που έρχονται σε τέλεια αντίθεση με τη χαλαρή υποστήριξη του πλήρους συνόλου —πρώτα στο τυπικό μπλουζ "Yearnin'" και μετά στο "Teenie's Blues", ένα πιο σύνθετο μπλουζ στο οποίο ο Oliver Nelson συμμετέχει επίσης στο άλτο. Το "Cascades", με γρήγορο τέμπο που χρησιμοποιεί μια τροποποιημένη εκδοχή της δομής του "I Got Rhythm" του George Gershwin, επιτρέπει μεγάλη αλληλεπίδραση μεταξύ του Freddie Hubbard και του Bill Evans ενώ το "Butch and Butch" και το "Hoe Down", με την κάντρι γεύση, επιτρέπουν σ' όλους ευκαιρίες για σόλο. Ο George Barrow στο βαρύτονο λαμβάνει ειδική μνεία στις σημειώσεις του Oliver Nelson για τις λεπτές υποστηρικτικές του γραμμές, δίνοντας στο σύνολο έναν πλούσιο, γεμάτο ήχο.
Αν και η μετέπειτα δουλειά του στο Χόλιγουντ, κυρίως σε μουσικά θέματα, ήταν εξαιρετικά υψηλού επιπέδου —μέχρι που μια καρδιακή προσβολή τον διεκδίκησε πρόωρα το 1975—, έτεινε να μειώνει το προφίλ της τζαζ που είχε αποκτηθεί στη Νέα Υόρκη. Αλλά όσο έχουμε το Blues And The Abstract Truth, το ανάστημά του ως γίγαντας της τζαζ θα είναι αδιαμφισβήτητο.
Κομμάτια: A1 Stolen Moments - 8:45, A2 Hoe Down - 4:43, A3 Cascades - 5:30, B1 Yearnin' - 6:20, B2 Butch And Butch - 4:35, B3 Teenie's Blues - 6:31
Μουσικοί: Freddie Hubbard (τρομπέτα), Eric Dolphy (άλτο σαξόφωνο, φλάουτο), Oliver Nelson (τενόρο σαξόφωνο, άλτο σαξόφωνο: B3), George Barrow (βαρύτονο σαξόφωνο), Bill Evans (πιάνο), Paul Chambers (μπάσο), Roy Haynes (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικός: Creed Taylor[12] / Rudy Van Gelder[23]
Συχνά φαινόταν ότι η μουσική του μάστερ ενορχηστρωτή Oliver Nelson/Όλιβερ Νέλσον (1932-1975, 43 χρ.) αναζητούσε ένα απρόσκοπτο μείγμα της σκέψης του Ellington και του συναισθήματος του Coltrane. Το Blues And The Abstract Truth, που δικαίως θεωρήθηκε από τον Nelson ως το υψηλότερο σημείο του, ήταν εκεί που έκανε αυτό το μείγμα να ακούγεται σαν κανένας άλλος εκτός από τον εαυτό του.
Του άρεσε να ανακατεύει και συνταιριάζει τα στυλ της τζαζ. «Η κλασική μουσική του 19ου αιώνα και η σύγχρονη μουσική του δικού μας 20ου αιώνα», έγραψε ο Νέλσον στις σημειώσεις του άλμπουμ, «προκάλεσαν την ανάγκη υιοθέτησης μιας διαφορετικής οπτικής γωνίας προκειμένου να δημιουργηθεί μουσική που να έχει νόημα και ζωτική σημασία. Μια μέθοδος που ήταν πάντα επιτυχημένη και κρίσιμη τόσο στην κλασική μουσική όσο και στη σημερινή τζαζ είναι να αφήνουμε τις μουσικές ιδέες να καθορίσουν τη μορφή και το σχήμα μιας μουσικής σύνθεσης. Στην πραγματικότητα, αυτό προσπάθησα να κάνω εδώ».
Οι μουσικές ιδέες περιλάμβαναν τζαζ (παραδοσιακή και μοντέρνα), μπλουζ, σπιρίτσουαλς, μουσικά θέματα του Μπρόντγουεϊ, ακόμη και κάντρι μουσική και κλασικές διανθίσεις. Η γεμάτη αστέρια μπάντα, περιλάμβανε τους αστρικούς σολίστ Freddie Hubbard, Bill Evans, Eric Dolphy και τον ίδιο τον Nelson. Αλλά ο Nelson, του οποίου η φήμη ήταν κυρίως για τις ενορχηστρωτικές του ικανότητες, δείχνει ότι είναι και ένας ταλαντούχος, παραπλανητικά χαλαρός σολίστ.
Το "Stolen Moments", το εναρκτήριο κομμάτι, είναι ένα μόνταλ αριστούργημα που επιτρέπει υπέροχα σόλο από τους Freddie Hubbard, Eric Dolphy (φλάουτο), Oliver Nelson και Bill Evans. Υπάρχουν κι' άλλα προκλητικά σόλο του Eric Dolphy στο άλτο σαξόφωνο που έρχονται σε τέλεια αντίθεση με τη χαλαρή υποστήριξη του πλήρους συνόλου —πρώτα στο τυπικό μπλουζ "Yearnin'" και μετά στο "Teenie's Blues", ένα πιο σύνθετο μπλουζ στο οποίο ο Oliver Nelson συμμετέχει επίσης στο άλτο. Το "Cascades", με γρήγορο τέμπο που χρησιμοποιεί μια τροποποιημένη εκδοχή της δομής του "I Got Rhythm" του George Gershwin, επιτρέπει μεγάλη αλληλεπίδραση μεταξύ του Freddie Hubbard και του Bill Evans ενώ το "Butch and Butch" και το "Hoe Down", με την κάντρι γεύση, επιτρέπουν σ' όλους ευκαιρίες για σόλο. Ο George Barrow στο βαρύτονο λαμβάνει ειδική μνεία στις σημειώσεις του Oliver Nelson για τις λεπτές υποστηρικτικές του γραμμές, δίνοντας στο σύνολο έναν πλούσιο, γεμάτο ήχο.
Αν και η μετέπειτα δουλειά του στο Χόλιγουντ, κυρίως σε μουσικά θέματα, ήταν εξαιρετικά υψηλού επιπέδου —μέχρι που μια καρδιακή προσβολή τον διεκδίκησε πρόωρα το 1975—, έτεινε να μειώνει το προφίλ της τζαζ που είχε αποκτηθεί στη Νέα Υόρκη. Αλλά όσο έχουμε το Blues And The Abstract Truth, το ανάστημά του ως γίγαντας της τζαζ θα είναι αδιαμφισβήτητο.
14. Bill Evans Trio - Sunday At The Village Vanguard (Οκτώβριος 1961, Riverside) [LP]
Κομμάτια: A1 Gloria's Step (Scott LaFaro) - 6:05, A2 My Man's Gone Now (George & Ira Gershwin) - 6:21, A3 Solar (Miles Davis) - 8:51, B1 Alice In Wonderland (Bob Hilliard, Sammy Fain) - 8:25, B2 All Of You (Cole Porter) - 8:20, B3 Jade Visions (Scott LaFaro) - 3:41
Μουσικοί: Bill Evans (πιάνο), Scott LaFaro (μπάσο), Paul Motian (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικός: Orrin Keepnews[5] / Dave Jones[27]
Ένας από τους πιανίστες, με τη μεγαλύτερη επιρροή, στις δεκαετίες του 1960 και του 1970, ο Bill Evans/Μπιλ Έβανς (1929-1980, 51 χρ.) ήταν μια θεμελιώδης δύναμη στην τζαζ που φαινόταν να αναδεικνύεται ως ένας πλήρως διαμορφωμένος καλλιτέχνης στα τέλη της δεκαετίας του 1950. Ένας απίστευτα λυρικός παίκτης με τρομερή αρμονική επιτήδευση, επιτύγχανε έναν μοναδικό τόνο, σαν καμπάνα, από το πιάνο, που έκανε τις εκτενείς, ρέουσες γραμμές του να λάμπουν. Είχε ήδη κάνει τεράστιο αντίκτυπο μέσω της δουλειάς του ως μουσικός με τους George Russell, Lee Konitz, Jimmy Giuffre, Charles Mingus, και με τον πιο διάσημο Miles Davis, συνεισφέροντας σημαντικά στο πρωτοποριακό άλμπουμ του τρομπετίστα, Kind Of Blue.
Ο Μάιλς ανταποκρίθηκε στον ήχο του Έβανς —λεπτομερές άγγιγμα, διαυγείς αρμονίες, συναισθηματικές βαθμωτές γραμμές— και τον περιέγραψε σαν «κρυστάλλινες νότες ανθρακούχου νερού που πέφτουν από κάποιον διαυγή καταρράκτη». Όσο για το διάστημα που έπαιξε, «ο Μπιλ υπήρξε συγκρατημένος», είπε ο Μάιλς, «που γι' αυτό που έκανα τώρα με το μόνταλ, μου άρεσε καλύτερα αυτό που έκανε ο Μπιλ», και παραδέχτηκε ότι το Kind Of Blue ήταν «σχεδιασμένο» γύρω από το παίξιμό του. Ο Bill, αν και ενθουσιασμένος που συμμετείχε στην μπάντα του Davis, πειράχτηκε από την αδιαφορία-οριακή εχθρότητα του κοινού για τις συνεισφορές του —οι οποίες, σε μια ζωντανή εμφάνιση, ήταν ο αντίποδας των σκληροπυρηνικών συναδέλφων του— και παραιτήθηκε μετά από επτά μήνες, για να δημιουργήσει το 1959 το δικό του τρίο, έχοντας γι' αυτό πολύ ξεκάθαρες ιδέες.
Μετά από μερικές λανθασμένες εκκινήσεις, ο Bill κατέληξε στον ανταποκρινόμενο, εξαιρετικά ευαίσθητο ντράμερ Paul Motian/Πολ Μόσιαν, και σ' έναν βιρτουόζο νεαρό κοντραμπασίστα, τον Scott LaFaro/Σκοτ Λαφάρο, ο οποίος ήταν πρόθυμος και περισσότερο από ικανός να εκπληρώσει το όραμά του, για ταυτόχρονη εφευρετικότητα. «Οι ιδέες απλώνονταν η μία πάνω στην άλλη», είπε ο Evans για τον LaFaro, «ήταν σαν ένα άλογο που κλοτσούσε». «Ελπίζω ότι το τρίο θα αναπτυχθεί προς την κατεύθυνση του ταυτόχρονου αυτοσχεδιασμού», είχε πει, «αν ο μπασίστας, για παράδειγμα, ακούσει μια ιδέα που θέλει να απαντήσει, γιατί να συνεχίσει να παίζει 4/4 στο υπόβαθρο;».
Μέχρι τη στιγμή που ο Evans αποφάσισε να ηχογραφήσει το τρίο στο Village Vanguard τον Ιούνιο του 1961, είχε φτάσει σε ένα επίπεδο επικοινωνίας που άγγιζε τα όρια της τηλεπαθητικής. «Ένας σχετικά ανώδυνος τρόπος [το λάιβ] για να αποσπάσεις ένα άλμπουμ από τον συνήθως αναβλητικό πιανίστα», είπε ο παραγωγός Orrin Keepnews. Η εξαιρετικά διαδραστική προσέγγιση που ανέπτυξε το τρίο, διαγράφοντας τα όρια μεταξύ συνοδού και σολίστ, εισήγαγε δραστικά νέες δυνατότητες για την τζαζ μικρού-γκρουπ. Κάθε κομμάτι αντέχει την επαναλαμβανόμενη ακρόαση, αλλά το "Gloria's Step" είναι εκπληκτικό, ενώ η αλληλεπίδραση στο "Alice In Wonderland" συγκαταλέγεται στα μεγαλύτερα επιτεύγματα της τζαζ.
Δέκα μέρες αργότερα, ο 25χρονος ΛαΦάρο σκοτώθηκε σε τροχαίο και συντετριμμένος από την απώλεια, ο Έβανς σταμάτησε να παίζει πιάνο για μήνες. Ο Μπιλ Έβανς πέθανε μόλις στα 51 του χρόνια, μετά από μια μάχη δεκαετιών με τον εθισμό στα ναρκωτικά. Αλλά ακόμα κι αν αυτή ήταν η μοναδική του κληρονομιά, η θέση του στο στερέωμα της τζαζ θα ήταν εξασφαλισμένη.
(Α->Δ) Scott LaFaro, Bill Evans και Paul Motian στο Village Vanguard (φωτογραφία Steve Schapiro)
Κομμάτια: A1 Gloria's Step (Scott LaFaro) - 6:05, A2 My Man's Gone Now (George & Ira Gershwin) - 6:21, A3 Solar (Miles Davis) - 8:51, B1 Alice In Wonderland (Bob Hilliard, Sammy Fain) - 8:25, B2 All Of You (Cole Porter) - 8:20, B3 Jade Visions (Scott LaFaro) - 3:41
Μουσικοί: Bill Evans (πιάνο), Scott LaFaro (μπάσο), Paul Motian (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικός: Orrin Keepnews[5] / Dave Jones[27]
Ένας από τους πιανίστες, με τη μεγαλύτερη επιρροή, στις δεκαετίες του 1960 και του 1970, ο Bill Evans/Μπιλ Έβανς (1929-1980, 51 χρ.) ήταν μια θεμελιώδης δύναμη στην τζαζ που φαινόταν να αναδεικνύεται ως ένας πλήρως διαμορφωμένος καλλιτέχνης στα τέλη της δεκαετίας του 1950. Ένας απίστευτα λυρικός παίκτης με τρομερή αρμονική επιτήδευση, επιτύγχανε έναν μοναδικό τόνο, σαν καμπάνα, από το πιάνο, που έκανε τις εκτενείς, ρέουσες γραμμές του να λάμπουν. Είχε ήδη κάνει τεράστιο αντίκτυπο μέσω της δουλειάς του ως μουσικός με τους George Russell, Lee Konitz, Jimmy Giuffre, Charles Mingus, και με τον πιο διάσημο Miles Davis, συνεισφέροντας σημαντικά στο πρωτοποριακό άλμπουμ του τρομπετίστα, Kind Of Blue.
Ο Μάιλς ανταποκρίθηκε στον ήχο του Έβανς —λεπτομερές άγγιγμα, διαυγείς αρμονίες, συναισθηματικές βαθμωτές γραμμές— και τον περιέγραψε σαν «κρυστάλλινες νότες ανθρακούχου νερού που πέφτουν από κάποιον διαυγή καταρράκτη». Όσο για το διάστημα που έπαιξε, «ο Μπιλ υπήρξε συγκρατημένος», είπε ο Μάιλς, «που γι' αυτό που έκανα τώρα με το μόνταλ, μου άρεσε καλύτερα αυτό που έκανε ο Μπιλ», και παραδέχτηκε ότι το Kind Of Blue ήταν «σχεδιασμένο» γύρω από το παίξιμό του. Ο Bill, αν και ενθουσιασμένος που συμμετείχε στην μπάντα του Davis, πειράχτηκε από την αδιαφορία-οριακή εχθρότητα του κοινού για τις συνεισφορές του —οι οποίες, σε μια ζωντανή εμφάνιση, ήταν ο αντίποδας των σκληροπυρηνικών συναδέλφων του— και παραιτήθηκε μετά από επτά μήνες, για να δημιουργήσει το 1959 το δικό του τρίο, έχοντας γι' αυτό πολύ ξεκάθαρες ιδέες.
Μετά από μερικές λανθασμένες εκκινήσεις, ο Bill κατέληξε στον ανταποκρινόμενο, εξαιρετικά ευαίσθητο ντράμερ Paul Motian/Πολ Μόσιαν, και σ' έναν βιρτουόζο νεαρό κοντραμπασίστα, τον Scott LaFaro/Σκοτ Λαφάρο, ο οποίος ήταν πρόθυμος και περισσότερο από ικανός να εκπληρώσει το όραμά του, για ταυτόχρονη εφευρετικότητα. «Οι ιδέες απλώνονταν η μία πάνω στην άλλη», είπε ο Evans για τον LaFaro, «ήταν σαν ένα άλογο που κλοτσούσε». «Ελπίζω ότι το τρίο θα αναπτυχθεί προς την κατεύθυνση του ταυτόχρονου αυτοσχεδιασμού», είχε πει, «αν ο μπασίστας, για παράδειγμα, ακούσει μια ιδέα που θέλει να απαντήσει, γιατί να συνεχίσει να παίζει 4/4 στο υπόβαθρο;».
Μέχρι τη στιγμή που ο Evans αποφάσισε να ηχογραφήσει το τρίο στο Village Vanguard τον Ιούνιο του 1961, είχε φτάσει σε ένα επίπεδο επικοινωνίας που άγγιζε τα όρια της τηλεπαθητικής. «Ένας σχετικά ανώδυνος τρόπος [το λάιβ] για να αποσπάσεις ένα άλμπουμ από τον συνήθως αναβλητικό πιανίστα», είπε ο παραγωγός Orrin Keepnews. Η εξαιρετικά διαδραστική προσέγγιση που ανέπτυξε το τρίο, διαγράφοντας τα όρια μεταξύ συνοδού και σολίστ, εισήγαγε δραστικά νέες δυνατότητες για την τζαζ μικρού-γκρουπ. Κάθε κομμάτι αντέχει την επαναλαμβανόμενη ακρόαση, αλλά το "Gloria's Step" είναι εκπληκτικό, ενώ η αλληλεπίδραση στο "Alice In Wonderland" συγκαταλέγεται στα μεγαλύτερα επιτεύγματα της τζαζ.
Δέκα μέρες αργότερα, ο 25χρονος ΛαΦάρο σκοτώθηκε σε τροχαίο και συντετριμμένος από την απώλεια, ο Έβανς σταμάτησε να παίζει πιάνο για μήνες. Ο Μπιλ Έβανς πέθανε μόλις στα 51 του χρόνια, μετά από μια μάχη δεκαετιών με τον εθισμό στα ναρκωτικά. Αλλά ακόμα κι αν αυτή ήταν η μοναδική του κληρονομιά, η θέση του στο στερέωμα της τζαζ θα ήταν εξασφαλισμένη.
(Α->Δ) Scott LaFaro, Bill Evans και Paul Motian στο Village Vanguard (φωτογραφία Steve Schapiro)
- Sunday at The Village Vanguard [ Playlist] -
ο πιανίστας Bill Evans κατά τη διάρκεια των προβών στα στούντιο της Riverside (φωτογραφία Steve Schapiro)
Playlist] -ο πιανίστας Bill Evans κατά τη διάρκεια των προβών στα στούντιο της Riverside (φωτογραφία Steve Schapiro)
15. The Incredible Jimmy Smith - Back At The Chicken Shack (Φεβρουάριος 1963, Blue Note) [LP]
Κομμάτια: A1 Back At The Chicken Shack (Jimmy Smith), A2 When I Grow Too Old To Dream (Hammerstein, Romberg), B1 Minor Chant (Stanley Turrentine), B2 Messy Bessie (Jimmy Smith)
Μουσικοί: Jimmy Smith (όργανο), Stanley Turrentine (τενόρο σαξόφωνο), Kenny Burrell (κιθάρα: A1, B2), Donald Bailey (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικός: Alfred Lion[8] / Rudy Van Gelder[23]
Μέχρι το 1960, ο Jimmy Smith/Τζίμι Σμιθ (1925-2005, 79 χρ.) είχε ήδη ηχογραφήσει δεκαεννιά άλμπουμ για την Blue Note. Την ίδια χρονιά ηχογράφησε άλλα τέσσερα —δύο από αυτά, τα Midnight Special και Back At The Chicken Shack, από το ίδιο σέσιον στο στούντιο ηχογράφησης του Van Gelder/Ρούντι Βαν Γκέλντερ στο Ίνγκλγουντ Κλιφς του Νιου Τζέρσι. Σε παραγωγή του Alfred Lion/Άλφρεντ Λίον, το τελευταίο σετ δημιούργησε το προηγούμενο για κάθε δίσκο με Hammond όργανο, αφού με το αμέσως μολυσματικό, τολμηρό γκρουβ του παρουσιάζει τις χαρακτηριστικές βηματιστές μπασογραμμές και τα σόλο με το δεξί χέρι του Smith. Εντυπωσιακό είναι και το εξώφυλλο του Francis Wolff/Φράνσις Γουλφ: «Ας βγάλουμε μερικές φωτογραφίες με ουσία», είπε ο Σμιθ —εξ ου και η φωτογραφία του στο αγρόκτημα ενός φίλου του, καλοντυμένος, με την σκυλίτσα Έλσι και έναν κόκορα.
Πιανίστας από την ηλικία των εννέα ετών, ο Smith έπαιζε σε τζαζ και ρυθμ εντ μπλουζ γκρουπ γύρω από το σπίτι του στη δυτική Πενσυλβάνια. Μετά ήρθε η αλλαγή στο όργανο. «Είδα τον Wild Bill [Davis] το 1953 και πήρα το Hammond επί τόπου. Είμαι αυτοδίδακτος. Το κράτησα σε ένα υπόστεγο, ώστε να μην ξέρει κανείς ότι δεν μπορούσα να το παίξω. Πάλευα με αυτό το θηρίο κάθε μέρα.» Δύο χρόνια αργότερα ο Smith έπαιξε την πρώτη του συναυλία με το Χάμοντ στο Jimmy's Jazz Club στο Village της Νέας Υόρκης. «Ήταν μια πρόκληση. Κανείς δεν είχε σκεφτεί να βάλει το Hammond στη τζαζ και σε αυτούς τους λάτρεις της τζαζ δεν άρεσε, σε καμία περίπτωση. Αλλά εγώ παλάβωσα. Τρελάθηκα.»
Όσο για το Back At The Chicken Shack: «Απλά πήγα εκεί μέσα και έπαιξα όσο μπορούσα. Υπήρχε πολύς σεβασμός ανάμεσα σε αυτά τα παιδιά στο στούντιο. Ο Stanley [Turrentine] και ο Kenny [Burrell] ήταν εντελώς φάνκι. Ο Donald [Bailey] κρατούσε τον ρυθμό χαλαρό.» Ηχογραφημένο σε αναλογική ταινία δύο καναλιών το 1960, με τον Smith να συνθέτει δύο από τα τέσσερα κομμάτια —το "Messy Bessie", ένα φάνκι μπλουζ εμπνευσμένο από το "Confirmation" του Charlie Parker και το ομώνυμο κομμάτι, ένα αβίαστα κουλ και γεμάτο ζωντάνια απλοϊκό κομμάτι. Το στάνταρντ "When I Grow Too Old To Dream" των Hammerstein/Romberg φέρνει στο προσκήνιο το σχεδόν φωνητικό στυλ σαξοφώνου του Turrentine. Το "Minor Chant" του Turrentine, γραμμένο για το Look Out! άλμπουμ του, είναι 32άμετρο και επτάμισι λεπτά σε τονικότητα μινόρε με τον Stanley να θρηνεί στο επίκεντρο.
Την επόμενη χρονιά ο Smith ηχογράφησε άλλους δύο δίσκους για την Blue Note. Στη συνέχεια, το 1962 υπέγραψε με τη Verve, πειραματιζόμενος επιτυχώς με έναν πλήρη ήχο μεγάλης μπάντας και κερδίζοντας το παρατσούκλι του, The Cat.
Jimmy Smith, Kenny Burrell (φωτογραφία Francis Wolff)
Κομμάτια: A1 Back At The Chicken Shack (Jimmy Smith), A2 When I Grow Too Old To Dream (Hammerstein, Romberg), B1 Minor Chant (Stanley Turrentine), B2 Messy Bessie (Jimmy Smith)
Μουσικοί: Jimmy Smith (όργανο), Stanley Turrentine (τενόρο σαξόφωνο), Kenny Burrell (κιθάρα: A1, B2), Donald Bailey (ντραμς)
Παραγωγή / Μηχανικός: Alfred Lion[8] / Rudy Van Gelder[23]
Μέχρι το 1960, ο Jimmy Smith/Τζίμι Σμιθ (1925-2005, 79 χρ.) είχε ήδη ηχογραφήσει δεκαεννιά άλμπουμ για την Blue Note. Την ίδια χρονιά ηχογράφησε άλλα τέσσερα —δύο από αυτά, τα Midnight Special και Back At The Chicken Shack, από το ίδιο σέσιον στο στούντιο ηχογράφησης του Van Gelder/Ρούντι Βαν Γκέλντερ στο Ίνγκλγουντ Κλιφς του Νιου Τζέρσι. Σε παραγωγή του Alfred Lion/Άλφρεντ Λίον, το τελευταίο σετ δημιούργησε το προηγούμενο για κάθε δίσκο με Hammond όργανο, αφού με το αμέσως μολυσματικό, τολμηρό γκρουβ του παρουσιάζει τις χαρακτηριστικές βηματιστές μπασογραμμές και τα σόλο με το δεξί χέρι του Smith. Εντυπωσιακό είναι και το εξώφυλλο του Francis Wolff/Φράνσις Γουλφ: «Ας βγάλουμε μερικές φωτογραφίες με ουσία», είπε ο Σμιθ —εξ ου και η φωτογραφία του στο αγρόκτημα ενός φίλου του, καλοντυμένος, με την σκυλίτσα Έλσι και έναν κόκορα.
Πιανίστας από την ηλικία των εννέα ετών, ο Smith έπαιζε σε τζαζ και ρυθμ εντ μπλουζ γκρουπ γύρω από το σπίτι του στη δυτική Πενσυλβάνια. Μετά ήρθε η αλλαγή στο όργανο. «Είδα τον Wild Bill [Davis] το 1953 και πήρα το Hammond επί τόπου. Είμαι αυτοδίδακτος. Το κράτησα σε ένα υπόστεγο, ώστε να μην ξέρει κανείς ότι δεν μπορούσα να το παίξω. Πάλευα με αυτό το θηρίο κάθε μέρα.» Δύο χρόνια αργότερα ο Smith έπαιξε την πρώτη του συναυλία με το Χάμοντ στο Jimmy's Jazz Club στο Village της Νέας Υόρκης. «Ήταν μια πρόκληση. Κανείς δεν είχε σκεφτεί να βάλει το Hammond στη τζαζ και σε αυτούς τους λάτρεις της τζαζ δεν άρεσε, σε καμία περίπτωση. Αλλά εγώ παλάβωσα. Τρελάθηκα.»
Όσο για το Back At The Chicken Shack: «Απλά πήγα εκεί μέσα και έπαιξα όσο μπορούσα. Υπήρχε πολύς σεβασμός ανάμεσα σε αυτά τα παιδιά στο στούντιο. Ο Stanley [Turrentine] και ο Kenny [Burrell] ήταν εντελώς φάνκι. Ο Donald [Bailey] κρατούσε τον ρυθμό χαλαρό.» Ηχογραφημένο σε αναλογική ταινία δύο καναλιών το 1960, με τον Smith να συνθέτει δύο από τα τέσσερα κομμάτια —το "Messy Bessie", ένα φάνκι μπλουζ εμπνευσμένο από το "Confirmation" του Charlie Parker και το ομώνυμο κομμάτι, ένα αβίαστα κουλ και γεμάτο ζωντάνια απλοϊκό κομμάτι. Το στάνταρντ "When I Grow Too Old To Dream" των Hammerstein/Romberg φέρνει στο προσκήνιο το σχεδόν φωνητικό στυλ σαξοφώνου του Turrentine. Το "Minor Chant" του Turrentine, γραμμένο για το Look Out! άλμπουμ του, είναι 32άμετρο και επτάμισι λεπτά σε τονικότητα μινόρε με τον Stanley να θρηνεί στο επίκεντρο.
Την επόμενη χρονιά ο Smith ηχογράφησε άλλους δύο δίσκους για την Blue Note. Στη συνέχεια, το 1962 υπέγραψε με τη Verve, πειραματιζόμενος επιτυχώς με έναν πλήρη ήχο μεγάλης μπάντας και κερδίζοντας το παρατσούκλι του, The Cat.
Jimmy Smith, Kenny Burrell (φωτογραφία Francis Wolff)