Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

καλησπερα κυριε auteur
αφηστε τα αυτα και πεσ τε μας πως περασατε τις καλοκαιρινες σας διακοπες ?

δαμάσαμε τα κύματα με μια σανίδα αλλα οι μέρες λιγοστές..
10 μέρες.

εσεις πιάσατε μήνα, δίμηνο ή τρίμηνο;
αν κρίνουμε απο την συμμετοχή σας, είστε ακόμα σε διακοπές!!

να περνάτε ομορφα με καλή παρέα, ήλιο, θάλασσα, ψάθινο καπέλο και κοντά σόρτς.

καλοκαιρινό δωράκι για τους φίλους τις ψυχεδέλειας, των βουκολικων τοπίων και του μυστικισμού..
μερικά έργα του τα αγαπάμε και εμεις πολύ.

0166267fdb38032b4aa6f9c7beb666a6--spongebob-squarepants-trippy.jpg


To view this content we will need your consent to set third party cookies.
For more detailed information, see our cookies page.
 
Το κλασικό αριστουργημα του Charles Laughton, σε θερινό!

Και για τους φίλους του woody Allen, take the money and run.

+μικρού μήκους

Και αύριο
Wes Anderson και George Romero

Bottle rocket
Night of the living dead

Masterpieces at first

https://static.rogerebert.com/uploa...-1955/hero_EB19961124REVIEWS08401010344AR.jpg
http://www.elculture.gr/blog/masterpiece-at-first-ένα-θερινό-σινεμά-στη-μονή-λαζαριστών/
 
MV5BMzgyNTY1ZDItZWI1OS00N2M1LThiNmUtNDUwYjc5ODY4OTE1XkEyXkFqcGdeQXVyNjkxOTM4ODY@._V1_.jpg


Ο Γκοντάρ εχει πολέμιους φίλους εδω γυρω. Πιθανόν και ο ιρανικός κινηματογράφος.
ειδικότερα το οτι οι ηθοποιοι του, κοιτάζουν κατάματα την κάμερα, εμφανίζεται το κινηματογραφικό συνεργείο εντός του κάδρου, ενώ αποτελεί μέρος της ταινίας.

Η τελευταία σκηνή, αυτή του θριάμβου του πρωταγωνιστή στο έργο της συμπλήρωσης μίας εβδομάδας πάνω στο ποδήλατο θα καλυφθεί ζωντανά από ένα τηλεοπτικό επιτελείο. Εισάγοντας στο τέλος της ταινίας την κλασική διερώτηση των σκηνοθετών του γαλλικού Nouvelle Vague και του νέου Ιρανικού κύματος (όπως ο Κιαροστάμι) για το ρόλο του κινηματογραφικού μέσου, της επίδρασής του στην κατασκευή της πραγματικότητας και τη στοιχειοθέτηση του κινηματογραφικού σύμπαντος ως ενός παραθύρου ανοιχτού στον κόσμο, ο Μαχμαλμπάφ στρέφει την κάμερα του τηλεοπτικού συνεργείου προς το πεδίο προς τα έξω, δηλαδή το πεδίο του θεατή, ανοίγοντας διάλογο με το πρώτο πλάνο της Περιφρόνησης του Γκοντάρ. Έτσι, η ορατότητα της κάμερας του τηλεοπτικού συνεργείου που αναμένει τη συνέντευξη του Νασίμ υπενθυμίζει την ύπαρξη της κινηματογραφικής κάμερας που ακολουθεί την κίνηση του ποδηλάτη στο διηνεκές.Η αυτοαναφορικότητα της κάμερας του Μαχμαλμπάφ εξανθρωπίζει το Νασίμ, διότι τον απομονώνει μέσα στη συνείδησή του και αντιγράφει την κίνησή του μέχρι το τελικό freeze frame, ωστόσο θέτει ερωτήματα για την αντικειμενοποίησή του με όρους θεάματος. Η διαταραγμένη κεντροποίηση στο γενικό πλάνο που επιτρέπει στο βλέμμα μας να εξερευνήσει τους πόλους δράσης, καθώς και η διαφάνεια στην πραγμάτευση του ζητήματος της ταξικής και εθνικής συνείδησης καθ’ όλη τη διάρκεια του φιλμ αποδεσμεύει την οπτική από τον εύκολο διδακτισμό και προβληματίζει με το ανοιχτό της τέλος, με το διάχυτο ουμανισμό της.

http://cinephilia.gr/index.php/tain...si-tou-podilati-1987-tis-elizas-sikalopoylou#
 
Εισάγοντας στο τέλος της ταινίας την κλασική διερώτηση των σκηνοθετών του γαλλικού Nouvelle Vague και του νέου Ιρανικού κύματος (όπως ο Κιαροστάμι) για το ρόλο του κινηματογραφικού μέσου, της επίδρασής του στην κατασκευή της πραγματικότητας και τη στοιχειοθέτηση του κινηματογραφικού σύμπαντος ως ενός παραθύρου ανοιχτού στον κόσμο

Screen_Shot_2018-09-20_at_17.23.02.png


To view this content we will need your consent to set third party cookies.
For more detailed information, see our cookies page.
 
To view this content we will need your consent to set third party cookies.
For more detailed information, see our cookies page.

The Day I Became a Woman (2000)

9/10

..

Top up your watchlist... 41 films every budding film student should watch


To view this content we will need your consent to set third party cookies.
For more detailed information, see our cookies page.

To view this content we will need your consent to set third party cookies.
For more detailed information, see our cookies page.

Sib (The apple) (1998)

9/10
 
Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

.
αντε γιατι αργησες ...
ΕΡΧΕΤΑΙ για να μας ξυπνησει απο τις παπαριες του netflix kai tvn loipvn
o μεγαλος αγαπημενος προβοκατορας




















https://www.youtube.com/watch?time_continue=67&v=NYG8KWCvigc

ασε τους αγαπημένους προβοκάτορες και τρέχα στον δαναό να καείς με υπαίτιο τον τσανγκ ντονγκ λι
μην πας σήμερα, ειναι sold out.
 
Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

Πω πω σχεδόν αριστούργημα . Η μικρή πείνα και η μεγάλη πείνα... Το κοριτσάκι που χορεύει στο ηλιοβασίλεμα...αν δεν θύμιζε λίγάκι Ζυλ και Τζιμ
 
Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

Πω πω σχεδόν αριστούργημα . Η μικρή πείνα και η μεγάλη πείνα... Το κοριτσάκι που χορεύει στο ηλιοβασίλεμα...αν δεν θύμιζε λίγάκι Ζυλ και Τζιμ
Ανάλογα πως "διαβάζει" κάποιος ενα φιλμ.

Το Apple είναι σπουδαίο ως προς την καταγραφή και την παρατήρηση της πραγματικότητας, καθώς δεν είναι doc, ούτε docudrama. Αλλά ενα είδος από μόνο του.

http://www.dvdbeaver.com/film/DVDReviews5/theapple.htm

Ενα άλλο διαμάντι με ευρωπαϊκο βραβείο lux (αν λένε κάτι τα βραβεία)

Mustang
https://www.imdb.com/title/tt3966404/

9/10
 
Απάντηση: Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

Ανάλογα πως "διαβάζει" κάποιος ενα φιλμ.

Το Apple είναι σπουδαίο ως προς την καταγραφή και την παρατήρηση της πραγματικότητας, καθώς δεν είναι doc, ούτε docudrama. Αλλά ενα είδος από μόνο του.

http://www.dvdbeaver.com/film/DVDReviews5/theapple.htm

Ενα άλλο διαμάντι με ευρωπαϊκο βραβείο lux (αν λένε κάτι τα βραβεία)

Mustang
https://www.imdb.com/title/tt3966404/

9/10
τα εχω δει
καλο το Μηλο 8/10
καλουτσικο το mustang 7/10


ασε τους αγαπημένους προβοκάτορες και τρέχα στον δαναό να καείς με υπαίτιο τον τσανγκ ντονγκ λι
μην πας σήμερα, ειναι sold out.

τρεχα στο Δαναο αλλα ειναι sold out ???
 
Re: Απάντηση: Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

τα εχω δει
καλο το Μηλο 8/10
καλουτσικο το mustang 7/10


ασε τους αγαπημένους προβοκάτορες και τρέχα στον δαναό να καείς με υπαίτιο τον τσανγκ ντονγκ λι
μην πας σήμερα, ειναι sold out.

τρεχα στο Δαναο αλλα ειναι sold out ???
Το Gabbeh να δεις που βγήκε και σε bluray. Απίστευτα χρώματα.

Και το the day i became a woman ειναι πολυ σπουδαίο. Η τελευταία ιστορία είναι μια κριτική για την δυτική "ελεύθερη" γυναίκα. Έχει και φελινικο τέλος που θα σου αρέσει.

Το Mustang μόνο 7/10... Γέρασες πριν την ώρα σου.. Κάτι πολύ σπουδαίο που πετυχαίνει το Gabbeh είναι που αποτυπώνει την νιότη της ψυχής σε αντίθεση με το γερασμένο σώμα τους. Πολύ σπουδαίο σε όλα του.

Γιατί δεν το παίζει άλλη μέρα ο Δαναός για να τρέξεις;
 
Απάντηση: Re: Απάντηση: Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

Το Gabbeh να δεις που βγήκε και σε bluray. Απίστευτα χρώματα.

Και το the day i became a woman ειναι πολυ σπουδαίο. Η τελευταία ιστορία είναι μια κριτική για την δυτική "ελεύθερη" γυναίκα. Έχει και φελινικο τέλος που θα σου αρέσει.

Το Mustang μόνο 7/10... Γέρασες πριν την ώρα σου..
το μασταγκ 7/10 γιατι δεν γερασαμε να μας ξεγελανε ρομαντικες ιστοριουλες με κοριτσακια
Κάτι πολύ σπουδαίο που πετυχαίνει το Gabbeh είναι που αποτυπώνει την νιότη της ψυχής σε αντίθεση με το γερασμένο σώμα τους. Πολύ σπουδαίο σε όλα του.


Γιατί δεν το παίζει άλλη μέρα ο Δαναός για να τρέξεις;

μου βαζεις δυσκολα και εγω μολις γυρισα απο διακοπες θα προτιμουσα για ξεκινημα κατι ελαφρυ αερατο αλλα sicario 2:music-smiley-005:
το Κορεατικο ειναι πρωτο στη Λιστα
 
Re: Απάντηση: Re: Απάντηση: Re: Απάντηση: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

μου βαζεις δυσκολα και εγω μολις γυρισα απο διακοπες θα προτιμουσα για ξεκινημα κατι ελαφρυ αερατο αλλα sicario 2:music-smiley-005:
το Κορεατικο ειναι πρωτο στη Λιστα

Μια ζωή αυτά λες..
εισαι μόνιμα σε διακοπές και θέλεις κάτι ανάλαφρο και αέρινο..
δεν βγήκε κανας γουντυς και καουμπόης... μονο του προβοκατέρ που το έχει χάσει.

τον καφέ πως τον πίνεις;
μπριζόλα χοιρινή ή μοσχαρίσια;
γάλακτος;
η μοσχαρίσια πως να ειναι ψημένη;
 
εχει μεγαλη ορεξη να φαει γαβρο τηγανητο,αλλα με την ορεξη θα μεινει
 
.

μόνο για διακοπές, αέρινες ταινίες και γήπεδα μου είστε.
τεντυμπόηδες της εύφορης κοιλάδας (τι ταινιάρα..)

ενα πολύ καλό κείμενο του Σμοίλη για την νέα ταινία του εξαιρετικού Peter Strickland

In Fabric (2018), του Peter Strickland
Ο Πίτερ Στρίκλαντ είναι, μακράν, ένας απ’ τους πιο ενδιαφέροντες καλλιτέχνες του μοντέρνου σινεμά. Οι ταινίες του («Katalin Varga», «Berberian Sound Studio», «The Duke of Burgundy»), είναι φετιχιστικά όνειρα, και το καταπληκτικό, «In Fabric», δεν αποτελεί εξαίρεση. Είναι, όμως, η πρώτη φορά που ο Στρίκλαντ, πέρα απ’ το να εκθέτει τη λατρεία του για το στυλ, με την ευρύτερη έννοια («style over substance» θα πουν, για άλλη μια φορά, οι πραγματικά ρηχοί), φτιάχνοντας μια ταινία για ένα στοιχειωμένο φόρεμα ξεκαθαρίζει τους λόγους που τον μαγνητίζει τόσο πολύ η επιφάνεια: επειδή το όνειρο και το φετίχ -αυτοί οι δύο θρίαμβοι της επιφάνειας, της Εικόνας, έναντι του περιεχομένου και της όποιας ουσίας-, αποτελούν κομβικές συνιστώσες της αντίληψής μας για την πραγματικότητα, επί καπιταλιστικού εδάφους. Το Οικονομικό, προφανώς, δεν αφήνει ανέπαφο το Πολιτιστικό. Ο σκηνοθέτης, που «εκμεταλλεύεται» το φαντασιακό μας για να δημιουργήσει μια αισθητική συγκίνηση, για να δεσμεύσει την ψυχή μας, δεν διαφέρει ιδιαίτερα απ’ τον καπιταλιστή που κάνει το ίδιο πράγμα, αλλά με σκοπό το κέρδος. Επί της ουσίας, έχουμε να κάνουμε με μαγεία, με υποβολή, και το «In Fabric» είναι ο τρόπος που διάλεξε ο Στρίκλαντ για να σχολιάσει τη μαγική λειτουργία της φετιχοποίησης στις καταναλωτικές μας κοινωνίες, ασκώντας παράλληλα τη δική του κινηματογραφική μαγγανεία, μέσω των –δονούμενων από μυστικιστική ένταση- εικόνων.

Η ειδεχθής σαγήνη του καπιταλισμού έγκειται στον τρόπο με τον οποίο διογκώνει το φαντασιακό, με την αλόγιστη χρήση του ονείρου και του φετίχ (ο Μαρξ έχει δείξει ότι η φετιχοποίηση του εμπορεύματος μέσω της πραγμοποίησης του εργάτη, δημιουργεί με τη σειρά της φετιχιστικές ανθρώπινες σχέσεις που συντηρούν και αναπαράγουν τη δομή του συστήματος). Δεν παίζει τυχαία ο Στρίκλαντ, λοιπόν, με την ευρύτερη έννοια του «ενδύματος». Η υποταγή στη μόδα, εξηγείται βάσει ψυχολογικών αντανακλαστικών που αφορούν τον συνολικό τρόπο ύπαρξης εντός της καπιταλιστικής πραγματικότητας: επιθυμεί κανείς να ντύνει το σώμα του με συγκεκριμένα ρούχα γιατί η σκέψη του καλύπτεται ήδη από το ύφασμα της Ιδεολογίας (o Αλτουσέρ έλεγε ότι είναι αδύνατον, άπαξ και εισέλθουμε μέσα της, να βρεθούμε «έξω» απ’ την Ιδεολογία, όπως είναι αδύνατον να «βγούμε» απ’ τη Γλώσσα: η ιδεολογία προηγείται των πάντων και διαμορφώνει την αντίληψη -δεν πρόκειται ποτέ να δούμε τον πραγματικό σκύλο, θα βλέπουμε πάντα την «ιδέα» του σκύλου).

Η Ιδεολογία, λοιπόν, είναι το «φόρεμα» της σκέψης μας και στην καταναλωτική κοινωνία, όλα μα όλα είναι Ιδεολογία. Παρατηρείστε τον ασυνάρτητο, ψευδοποιητικό βερμπαλισμό της μάγισσας-πωλήτριας που προσπαθεί να πείσει την πελάτισσα να αγοράσει, σε κάποιες απ’ τις πιο αστείες σκηνές της ταινίας: δεν κάνει τίποτα άλλο απ’ το να ιδεολογικοποιεί το ρούχο, να τo μετατρέπει σε θαυματουργό αντικείμενο που, ως δια μαγείας, θα μεταμορφώσει τη γυναίκα που το φοράει σε παραμυθένιο πλάσμα. Μέσω αυτών των σκηνών, ο Στρίκλαντ σαρκάζει την υπερβολική εμπιστοσύνη της καπιταλιστικής μεταφυσικής, στη δύναμη των λέξεων οι οποίες γεννούν την αρχετυπική φαντασίωση της μετάλλαξης (κανείς δεν θέλει να είναι απλώς ο εαυτός του στην καταναλωτική κοινωνία, καθένας θέλει να γίνει ο Άλλος). Και ξέρουμε πολύ καλά ότι η φαντασίωση και το όνειρο, είναι οι κινητήριες δυνάμεις της κατανάλωσης. Η β€“κυριολεκτικά πια- μαγεμένη περιοχή της καταναλωτικής υστερίας, ένα κατάστημα ρούχων, γίνεται στο «In Fabric» αληθινό άντρο μαγισσών.

Το φόρεμα στην ταινία του Στρίκλαντ, δεν μπορεί, συνεπώς, παρά να είναι στοιχειωμένο, να έχει δική του ζωή. Από εκεί και πέρα, αφού έχει χαθεί η ικανότητα διάκρισης του πραγματικού απ’ το φανταστικό, εύκολα διανύεται η απόσταση που οδηγεί στον μύθο, την απόλυτη αλλοίωση της πραγματικότητας, τον εφιάλτη, τα «φαντάσματα». Ο Στρίκλαντ μιλάει για το –άλλοτε ηδονικό κι άλλοτε τρομακτικό- όνειρο που είναι η ζωή μας εντός του καπιταλισμού. Για τα «ενδύματα» μέσα στα οποία τυλίγουμε το πνεύμα μας μέχρι να μην μπορεί να πει με βεβαιότητα τι είναι αληθινό και τι ψεύτικο. Τίποτα δεν είναι περισσότερο φετιχιστικό απ’ τη σχέση μας με το καθημερινό, το «ρεαλιστικό», το –υποτίθεται- απομυθοποιημένο. Και, βέβαια, για όποιον δεν θέλει να ασχολείται μ’ αυτά τα «βαριά» θεωρητικά, το «In Fabric» παραμένει ένα απολαυστικό μετα-giallo κομψοτέχνημα (ο μακάβριος, μπαρόκ εξπρεσιονισμός των Αρτζέντο και Μπάβα συνομιλούν με τον υπερρεαλιστικό μοντερνισμό του σινεμά του Ντέιβιντ Λιντς), επιβλητικής ατμοσφαιρικότητας, μεγάλης φορμαλιστικής δεξιοτεχνίας και ανατριχιαστικού εικαστικού ύφους. Ένα haute couture έργο, καταδικασμένο, εξαιτίας της λεπτοφυούς κατασκευής και της αταξινόμητης παραξενιάς του, να μην «φορεθεί» πολύ απ’ το ευρύ κοινό.

https://www.facebook.com/smoilis/posts/10215895199480115


και ένα του Γιαχουστίδη για την νέα ταινία του, εξαιρετικού (κυρίως για τις πρώτες ταινίες του) Spike Lee

Το ξέρω πως είναι αντιφατικό να μιλάμε για «καλό λαοπλάνο» και για «κακό λαοπλάνο»: ως λέξη το «λαοπλάνος» είναι εξ ορισμού που λένε, αρνητικά φορτισμένη. Ναι, αλλά πείτε μου τώρα: πηγαίνετε και βλέπετε την ταινία «Παρείσφρηση» του Spike Lee. Το καταλαβαίνετε σε πολλά σημεία της ταινίας ότι σας χειραγωγεί. Ότι ρε παιδί μου γυρίζει μια στρατευμένη ταινία και πως χρησιμοποιεί θεμιτά και αθέμιτα μέσα για να κραυγάσει αυτά που θέλει. Σας... χαλάει; Εμένα, προσωπικά (που λένε), καθόλου. Γιατί το μήνυμα εδώ είναι πολύ πιο σημαντικό από τον τρόπο με τον οποίο στέλνεται. Γιατί αν δεν είχε γυριστεί αυτή η ταινία, θα έπρεπε να την επινοήσουμε. Γιατί μιλάει για το σήμερα με όρους επείγοντος. Εννοείται ότι έχει γυρίσει πολύ καλύτερες (και πολύ χειρότερες) ταινίες ο Lee. Το timing της συγκεκριμένης όμως κι αυτά που λέει, την τοποθετούν ανάμεσα στις πιο άμεσες και σημαντικές των τελευταίων χρόνων.

http://cinedogs.gr/whatson/κάννες-2018-blackkklansman-του-σπάικ-λι/#sthash.3kY32Zjc.cQfRq64m.dpbs
 
.

Ο σοφός λαός λέει "Μεγάλη μπουκιά φάε, μεγάλη κουβέντα μη πεις"
με αυτό στο μυαλό, λέμε οτι όλος ο σύγχρονος κινηματογράφος που προσπαθεί να κάνει τέχνη, ειναι βασιμένος σε μεγάλο βαθμό στην μπρεσονική διαίσθηση και αισθητική.

Το έργο αυτό δεν αποτελεί τόσο ένα δοκίμιο για την 7η Τέχνη, όσο το απόσταγμα της μπρεσονικής διαίσθησης σχετικά με την κινηματογραφική δημιουργία, την οποία ο γάλλος δημιουργός τοποθετεί τόσο ψηλά όσο τη λογοτεχνία, τη μουσική, τη ζωγραφική ή τη γλυπτική.
Και στις δύο χρονικές περιόδους οι σημειώσεις του, αποσπασματικές και συχνά αρκετά αινιγματικές, αλληλοσυμπληρώνονται και τονίζουν κάποιες βασικές αλήθειες του έργου του και της αντίληψής του γι' αυτό. Αυτό που ονομάζει «σινεμά», το ταυτίζει με την αναπαράσταση και το φωτογραφημένο θέατρο, και το απορρίπτει. Σ' αυτό αντιπαραθέτει τον «κινηματογράφο», τέχνη αυτούσια και αυτόνομη, συνώνυμο της δημιουργίας.
https://www.politeianet.gr/books/97...reftis-simeioseis-gia-ton-kinimatografo-24053

Να απαλλαγώ από συσσωρευμένα σφάλματα και ψέματα. Να γνωρίζω τις δυνάμεις μου, να βεβαιωθώ γι' αυτές.

Η ικανότητα να χρησιμοποιώ σωστά τις δυνάμεις μου μειώνεται όταν αυτές αυξάνονται.

Να ελέγχω την ακρίβεια. Να είμαι εγώ ο ίδιος ένα εργαλείο ακριβείας.

Να μην έχω την ψυχή ενός διεκπεραιωτή. Να βρω, για κάθε λήψη πλάνου, ένα νέο νόημα σ' αυτό που είχα φανταστεί. Επινόηση (επινόηση εκ νέου) άμεση.

Σκηνο-θέτης ή director. Δεν πρέπει να καθοδηγώ κάποιον παρά τον ίδιο μου τον εαυτό.

Όχι ηθοποιοί
(Όχι καθοδήγηση ηθοποιών)
Όχι ρόλοι
(Όχι μελέτη ρόλων)
Όχι σκηνοθεσία
Αλλά χρήση μοντέλων μέσα από τη ζωή.

Να ΕΙΣΑΙ (μοντέλα) αντί να ΦΑΙΝΕΣΑΙ (ηθοποιοί).
ΜΟΝΤΕΛΑ:
Κίνηση από τα έξω προς τα μέσα. (ΗΘΟΠΟΙΟΙ: κίνηση από τα μέσα προς τα έξω).
Το σημαντικό δεν είναι αυτό που μας δείχνουν, αλλά αυτό που μας κρύβουν, και κυρίως αυτό που δεν υποπτεύονται ότι υπάρχει μέσα τους.

«Η ταινία γεννιέται πρώτα στο μυαλό μου, πεθαίνει στο χαρτί. Ανασταίνεται από τα ζωντανά πρόσωπα και τα πραγματικά αντικείμενα που χρησιμοποιώ, τα οποία σκοτώνονται πάνω στο φιλμ, αλλά όταν τοποθετούνται σε μια συγκεκριμένη σειρά και προβάλλονται σε μια οθόνη, ξαναζωντανεύουν όπως τα άνθη μέσα στο νερό.»

«Η προσέλκυση μόνο του ματιού κάνει το αυτί ανυπόμονο, η προσέλκυση μόνο του αυτιού κάνει το μάτι ανυπόμονο. Χρησιμοποίησε αυτές τις ανυπομονησίες.» Σχεδόν 40 χρόνια αργότερα, με αφορμή την ταινία του "Αγάπη"54, ο Μίκαελ Χάνεκε θα πει: «Μπορείς να προσεγγίσεις την καρδιά πιο άμεσα μέσα από το αυτί παρά μέσα από το μάτι. Τα αυτιά μας είναι πιο ανθεκτικά από τα μάτια μας, που έχουν κατακλυσθεί από εικόνες. Με τον ήχο, μπορείς να φτάσεις κατ' ευθείαν στο ασυνείδητο του θεατή.»

Ηθοποιοί. Όσο περισσότερο πλησιάζουν την οθόνη με την εκφραστικότητά τους, τόσο απομακρύνονται. Τα σπίτια, τα δέντρα πλησιάζουν. Οι ηθοποιοί απομακρύνονται.

Η επιτυχής σύνδεση των εικόνων τις φορτίζει με συναίσθημα.

Ο κινηματογράφος είναι γραφή με κινούμενες εικόνες και ήχους.

Ο κινηματογράφος δεν προσφέρεται τόσο στο να καθοδηγείς κάποιον, όσο στο να καθοδηγείς εσύ τον εαυτό σου.

Η αλήθεια τού κινηματογράφου δεν μπορεί να είναι η αλήθεια τού θεάτρου, ούτε η αλήθεια τού μυθιστορήματος, ούτε η αλήθεια τής ζωγραφικής.

Ο Σεζάν έλεγε: «Με κάθε πινελιά ρισκάρω η ζωή μου».

Εξασκήστε την ικανότητα του να βρίσκετε χωρίς να ψάχνετε.

Φέρε στην επιφάνεια αυτό που χωρίς εσένα δεν θα είχε πιθανώς φανεί ποτέ.

Δεν υπάρχει απόλυτη αξία σε μια εικόνα. Οι εικόνες και οι ήχοι νοηματοδοτούνται μόνο με τη χρήση για την οποία εσύ τις προορίζεις.

Μην κυνηγάς την ποίηση. Διεισδύει μόνη της μέσα από τις αφαιρέσεις.

Τα συναισθήματα οδηγούν στα γεγονότα. Όχι το αντίθετο.

Ούτε σκηνοθέτης ούτε δημιουργός. Ξέχνα ότι κάνεις φιλμ.

Αυτός που μπορεί με τα λίγα μπορεί και με τα πολλά.
Αυτός που μπορεί με τα πολλά δεν μπορεί απαραίτητα και με τα λίγα.

Να συλλαμβάνεις τις στιγμές. Αυθορμητισμός, φρεσκάδα.

Τίποτα περιττό, τίποτα ελλειπές.

Μία μόνο λέξη, μία μόνο χειρονομία τοποθετημένη λάθος, καταστρέφει όλα τα υπόλοιπα.

Για τον ηθοποιό, η κάμερα είναι το μάτι τού κοινού.

Μη δείχνεις όλες τις όψεις των πραγμάτων.

Οι θόρυβοι πρέπει να γίνονται μουσική.

Ένα σύνολο όμορφων εικόνων μπορεί να είναι απεχθές.

Αποκαλούμε ωραίο ένα φιλμ, όταν προσφέρει υψηλές ιδέες για το σινεμά.
Παραγωγή συναισθήματος που προκύπτει από την αντίσταση στο συναίσθημα.

Όχι μουσική συνοδευτική, υποστηρικτική ή ενισχυτική. Όχι μουσική, γενικώς.

Να βεβαιώνεσαι ότι έχεις συλλάβει όλα όσα μεταδίδουν η ακινησία και η σιωπή.

Μια πολυχρησιμοποιημένη εικόνα (κλισέ) δεν θα φανεί ποτέ σωστή, ακόμα κι αν είναι.

Κινηματογράφος: Καινούργιος τρόπος γραφής, άρα τρόπος να νιώθεις.

Ένα παλιό πράγμα γίνεται αμέσως νέο, αν το αποκόψεις από όλα όσα κατά κανόνα, το περιστοιχίζουν.

Δώστε στα αντικείμενα τη διάθεση τού να θέλουν να βρίσκονται εκεί.

Το κοινό δεν ξέρει τι θέλει. Επίβαλέ του τις επιθυμίες σου, τις ανάγκες σου.

Κινηματογράφος: Όπως η τονικότητα στη μουσική.
 
Existentialism in Film 1

Existentialism in Film 1
Film genres come in all shapes and sizes, but the usual ones, such as American Westerns, War Films, Spy Thrillers, and French Policiers, typically have standard schemata that encompass setting, character types, and plot structure. The subject or theme here, though, is Existentialist films, and those that belong to this category may vary across a wide range of the usual types. Nevertheless, I believe that Existentialist Film, despite some confusion as to what this means, is an important theme in film and one that lies close to the heart of the cinematic experience. This article is offered as an introduction to what is a broad and multi-faceted subject.

What ‛existentialism’ means exactly (and whether it is now a spent force that is no longer current) is a matter of some dispute, but I will begin with a somewhat simplified characterisation just to get things started. Existentialism in film concerns those movies for whom one or more of the principal characters is shown to experience alienation from his or her authentic self. I will elaborate on this further.

One of the issues with the theme of Existentialist Film is the name, “Existentialism”, itself. Steven Crowell, in his authoritative Stanford Encyclopedia of Philosophy article says that Existentialism belongs to the past and now refers to a particular literary and philosophical phenomenon that peaked in the 1940s, 1950s, and 1960s in connection with European disillusionment after the two World Wars. The principal figures of this movement included philosophers Karl Jaspers, Martin Heidegger, Martin Buber, Jean-Paul Sartre, and Maurice Merleau-Ponty, along with writers Knut Hamsen, Franz Kafka, Andre Gide, Albert Camus, and Andre Malraux. As the popularity of these figures spread to wider circles, the cultural image of Existentialism became blurred and even a cliche. Perhaps because of the multiple interpretations, leading figures like Heidegger and Camus refused to be labelled “Existentialists”. And by the 1960s, Sartre, himself, had repudiated his own Existentialist work. By the 1970s, Existentialism was subjected to derisive self-parody of Woody Allen’s angst-ridden heroes. By this reckoning, then, “Existentialism” would seem to have lost whatever standing it once had as a meaningful framework with which to interpret the world.

However, I would argue that even though the name, “Existentialism”, is no longer favoured, many of the its issues are still fundamental to our modern consciousness. There are now other, preferred names that are concerned with many of the topics originally addressed by Existentialists: Phenomenology, Hermeneutics, Interactionism, Continental Philosophy, Postmodernism. I could have chosen any of these other names for the theme under discussion, but somehow none of the other names are quite right here. “Interactionism” and “Continental Philosophy” are perhaps too general. “Hermeneutics” and “Phenomenology” refer to modes of interpretation. “Postmodernism” also has its blurred and now controversial semantics. So I will stick with “Existentialist Film” to designate this theme, and will focus attention just on the work of Heidegger, Sartre, and Merleau-Ponty.

Although Heidegger was perhaps the first to articulate the fundamental themes of Existentialism, the basic issues began to appear in the 19th Century as a reaction to Positivism, which was an attempt to apply the principles of natural science to the entire world of human existence. Underlying Positivism is what we might call Objectivism, which claims that the world is knowable and can ultimately be reduced to a single, objective, and unified theory describing the interplay of fundamental particles operating according to the laws of physics. Objectivism holds that consciousness, itself, will ultimately be explainable in terms of physical laws. Despite the intellectual optimism underlying Objectivism, though, it has the unsettling consequence of undermining the integrity of all human values: life has no meaning. So despite the continuing and spectacular success of science and technology during the course of the 19th century, there were certain thinkers, such as Kierkegaard, Nietzsche, Doystevsky, and even Tolstoy, who became profoundly uncomfortable with this line of thinking and offered expressions of protest that ran counter to the general current. Heidegger was the first to put these various thoughts together and identify the fundamental Existentalist motifs:
the rejection of science and objectivism;
a tension between the conscious life of the individual and that of society (alienation);
an emphasis on the situated context of human thought (being-in-the-world);
an acknowledgement that the feelings of anxiety, dread, and nihilism were unavoidable;
an awareness that authenticity is somehow an identifying aspect of self.
For the purposes of this introductory article, I will focus my discussion to two aspects: alienation and transcendence, because they both manifest themselves quite strikingly in Existentialist Film

Alienation
The feeling of alienation is something that is difficult to articulate for those who experience it, because the feeling is so profound. Although the world may be objectively meaningless, I, as a concerned operator in the world, have my own activities that may have a meaning to my own life. So it would be through my own projects that the world takes on a meaning for me. But despite this fact, the world in which I find myself was not brought into being by my projects. This world, then, has a stubborn existence that is independent of me and completely indifferent towards me. There is something about this indifferent world that is utterly beyond me; it is uncanny and alien. So the fact that I am immersed in this uncanny and alien world gives rise to my feelings of alienation. In addition, I am also aware of being observed by other people, and I can adopt a third-person perspective on myself, too, to imagine what they are seeing. But when I look at myself this way, the "self" that I see is utterly alien to me, too. I do not feel comfortable with this image of myself; it is a stranger to me. So I am not only alienated from the world, I am also alienated from that “objective” image of myself, too.

This is not just the feeling of a malcontent or of a social outcast. Even in an ideally operating world, I know that the world is not entirely under my own control. In order for me to operate successfully in this world, I must adopt a role that has generally been found to work well in situations like my present circumstances. But when I adopt that role, then I am just another, average person fulfilling that role, and that “average” person fulfilling that role (me) does not fully characterise the real me, in all my uniqueness. So my alienation remains.

Transcendence
Related to this feeling of alienation is the idea that I must transcend the “ordinary” descriptions of reality that are used by others. It was Sartre who stressed the idea that “existence precedes essence”. By that he meant that we cannot form categories of thinking about existence, because existence is more primordial (more primitive, i.e. comes “earlier”) than the category-forming activities of scientific model-building (which characterises things in terms of their essences). I might, for example, characterise objects in the world by the kind of things they are. So when I see a particular apple, I might say, “this is an apple”. But what makes a human is not the kind of thing it is (its essence), but the way it acts. By the way it acts the human becomes itself. Thus interactions are more primordial than the essences that are derived from Objectivist theory. In other words, Interactionism is more primordial than Objectivism.

On top of those interactions in which humans are engaged, humans are also characterised by care: they are concerned with some activities. While ordinary entities are what they are “in themselves”, human reality is “for itself”. Thus who I really am is not just describable as another essence (my facticity), but is determined by (a) my manner of coordinating the essence-based things that I encounter in the world and (b) the manner in which I interact with other being-for-itself entities (other persons). This is what characterises my transcendence, what it is that transcends ordinary essence-characterised entities. My transcendence goes beyond what simply is and is concerned with what can be. Thus I am always concerned with what is, what is not, and what is possible in the future.

These two aspects, alienation and transcendence, represent our dissatisfaction with everyday culture, which fails to account for key elements of our existence. This dissatisfaction has often been expressed in stories and novels of the past century and a half, and one’s first thought might be that these ideas are so abstract that they can only be expressed in words, not in film. The facility of written language gives us direct access to the expression of abstract ideas, whereas film depicts a physical, concrete world. This is, however, a misleading assertion.

Although many people think that films present the world as it factically is, this is far from the truth about the cinematic experience. Films are much closer to being an expression of our dreams, than they are about a representation of “objective” reality. Although we may watch a film and construct an “objective” representation of that world “on the fly”, we are actually performing extensive mental model building as we do this. What films present is a sequence of multimedia images, and they are closer to the primitive, real experiences of conscious beings than reflections of objective reality. These images can uncover and reveal our sense of the uncanny and alienating nature of life in a more direct way than a text can which merely “talks about it”.

Film can also express our awareness of and concern for the transcendent nature of our experience. Some people feel that the term 'transcendent' must be reserved for an awareness of spiritual and religious matters. But the ‛transcendent’, as used here, refers more generally to that aspect of our existence that extends beyond the factically-defined model of the world in which we live in our practical affairs. Certainly, we could say that this more general feeling for our transcendence beyond the everyday is associated with our spiritual yearnings and our belief in another, spiritual reality. But it need not be limited to religious concerns. So, for example, Paul Schrader, who later became an influential screenwriter and film director, wrote the book Transcendental Style in Film, which focussed on the work of directors Yasajiro Ozu, Robert Bresson, and Carl Dreyer. Some people have criticised this book on the grounds that these three directors, in films made outside the scope covered by Schrader’s study, concerned themselves with matters that were not spiritual and “transcendental”. I disagree. If you consider ‛transcendental’ in the manner that I have defined it here, then I would say that Bresson’s work continued to have a feeling for the transcendental.

So, in summary, we can say that films offer a powerful and direct means for expressing and immersing ourselves in exactly the kinds of issues that the Existentialists were talking about with words. It is worth pointing out here that in this sense Existentialist films can be closely related to Expressionism and Expressionist films, which depict an external “world” that reflects the internal, emotional state of a consciousness. These reflections could perhaps lead one to the conclusion that all films are Existentialist. While there may be some truth in that statement, I am going to limit my designation to those films that have markedly raised our awareness and experience of Existentialist themes in a deep fashion. Here, for the purposes of illustration, is a list of outstanding films that I would classify as Existentialist Films:

• Sundays and Cybele (Bourguignon 1962)
• La Strada (Fellini 1954)
• L’Avventura (Antonioni 1960)
• The American Friend (Wenders 1977)
• La Rupture (Chabrol 1970)
• Blowup (Antonioni 1966)
• Once Upon a Time in America (Leone 1984)
• Badlands (Mallick 1973)
• The Go-Between (Losey 1970)
• Le Jour Se Leve (Carne 1939)
• The Passenger (Antonioni 1975)
• Baran (Majidi 2001)
• Il Posto (Olmi 1961)
• L’Eclisse (Antonioni 1962)
• Zorba the Greek (Cacoyannis 1964)
• Red Desert (Antonioni 1964)
• Fellini Satyricon (Fellini 1969)
• La Guerre est Finie (Resnais 1966)
• McCabe and Mrs. Miller (Altman 1971)
• A Condemned Man Escapes (Bresson 1950)
• The Trial (Welles 1962)
• Taxi Driver (Scorsese 1976)
• Medium Cool (Wexler 1969)
• La Dolce Vita (Fellini 1960)
• Isabel (Almond 1968)
• The English Patient (Minghella 1996)
• Accident (Losey 1967)
• The Conversation (Coppola 1974)
• Alice in the Cities (Wenders 1974)
• Quadraphenia (Roddam 1979)
• Diary of a Country Priest (Bresson 1951)
• The 400 Blows (Truffaut 1959)

Existentialist Films:
Nanook of the North - Robert Flaherty (1922)
Our Hospitality - Buster Keaton and John G. Blystone (1923)
The Last Laugh - F. W. Murnau (1924)
The Passion of Joan of Arc - Carl Dreyer (1928)
L’Atalante - Jean Vigo (1934)
Crime and Punishment - Josef von Sternberg (1935)
Le Quai des Brumes (Port of Shadows) - Marcel Carné (1938)
La Bête Humaine - Jean Renoir (1938)
Le Jour se Léve - Marcel Carné (1939)
The Rules of the Game (La Règle du Jeu) - Jean Renoir (1939)
I Walked with a Zombie - Val Lewton (directed by Jacques Tourneur, 1943)
Day of Wrath - Carl Dreyer (1943)
Torment - Alf Sjöberg (1944)
Crisis - Ingmar Bergman (1946)
Prison - Ingmar Bergman (1949)
Diary of a Country Priest - Robert Bresson (1950)
The Flowers of Saint Francis (Francesco Guillare di Dio) - Roberto Rossellini (1950)
Les Enfants Terribles - Jean-Pierre Melville (1950)
Cronaca di un Amore (Story of a Love Affair) - Michelangelo Antonioni (1950)
D.O.A. - Rudolph Maté (1950)
Los Olvidados - Luis Bunuel (1950)
To Joy - Ingmar Bergman (1950)
Summer Interlude - Ingmar Bergman (1951)
The River - Jean Renoir (1951)
Life of Oharu - Kenji Mizoguchi (1952)
Tokyo Story - Yasujiro Ozu (1953)
Ugetsu - Kenji Mizoguchi (1953)
I Vitelloni - Federico Fellini (1953)
La Strada - Federico Fellini (1954)
Le Amiche (The Girlfriends) - Michelangelo Antonioni (1955)
Ordet - Carl Dreyer (1955)
A Man Escaped - Robert Bresson (1956)
The Wrong Man - Alfred Hitchcock (1956)
The Seventh Seal - Ingmar Bergman (1957)
Wild Strawberries - Ingmar Bergman (1957)
Il Grido (The Outcry) - Michelangelo Antonioni (1957)
Nights of Cabiria - Federico Fellini (1957)
Les Mistons - Francois Truffaut (1957)
Hiroshima Mon Amour - Alain Resnais (1959)
The 400 Blows (Les Quatre Cents Coups) - Francois Truffaut (1959)
Pickpocket - Robert Bresson (1959)
The World of Apu (Apur Sansar) - Satyajit Ray (1959)
Devi (The Goddess) - Satyajit Ray (1960)
The Virgin Spring - Ingmar Bergman (1960)
Breathless (A Bout de Souffle) - Jean-Luc Godard (1960)
Shoot the Piano Player (Tirez sur le Pianiste) - François Truffaut (1960)
Le Sourire (The Smile) - Serge Bourguignon (1960)
La Dolce Vita - Federico Fellini (1960)
L'Avventura (The Adventure) - Michelangelo Antonioni (1960)
La Notte (The Night) - Michelangelo Antonioni (1961)
Il Posto - Ermanno Olmi (1961)
Through a Glass Darkly - Ingmar Bergman (1961)
Teen Kanya (Three Daughters, aka Two Daughters) - Satyajit Ray (1961)
Kanchenjungha - Satyajit Ray (1962)
Abhijan (The Expedition) - Satyajit Ray (1962)
Jules and Jim (Jules et Jim) - Francois Truffaut (1962)
Sundays and Cybele (Les Dimanches de Ville d'Avray) - Serge Bourguignon (1962)
L'Eclisse (Eclipse) - Michelangelo Antonioni (1962)
The Trial of Joan of Arc - Robert Bresson (1962)
The House is Black (Khaneh Syah Ast) - Forough Farrokhzad (1962)
Le Doulos - Jean-Pierre Melville (1963)
The Fiances (I Fidanzati) - Ermanno Olmi (1963)
The Householder - James Ivory (1963)
Mahanagar (The Big City) - Satyajit Ray (1963)
Winter Light - Ingmar Bergman (1963)
The Silence - Ingmar Bergman (1963)
The Birds - Alfred Hitchcock (1963)
Zorba the Greek - Michael Cacoyannis (1964)
Red Desert (Il Deserto Rosso) - Michelangelo Antonioni (1964)
Gertrud - Carl Dreyer (1964)
Shadows of Forgotten Ancestors - Sergei Parajanov (1965)
The Brick and the Mirror (Khesht va Ayeneh) - Ebrahim Golestan (1965)
Kapurush (The Coward) - Satyajit Ray (1965)
Nayak (The Hero) - Satyajit Ray (1966)
La Guerre est Finie - Alain Resnais (1966)
Blow-Up - Michelangelo Antonioni (1966)
Au Hasard Balthazar - Robert Bresson (1966)
Mouchette - Robert Bresson (1967)
Le Samourai - Jean-Pierre Melville (1967)
Bonnie and Clyde - Arthur Penn (1967)
Hour of the Wolf - Ingmar Bergman (1968)
2001: A Space Odyssey - Stanley Kubrick (1968)
Gaav (The Cow) - Dariush Mehrjui (1969)
The Color of Pomegranates - Sergei Parajanov (1969)
Army of Shadows - Jean-Pierre Melville (1969)
Le Cercle Rouge - Jean-Pierre Melville (1970)
The Adversary (Pratidwandi) - Satyajit Ray (1970)
Five Easy Pieces - Bob Rafelson (1970)
McCabe & Mrs. Miller - Robert Altman (1971)
King Lear (Korol Lir) - Grigori Kozintsev (1971)
Solaris - Andrei Tarkovsky (1972)
Badlands - Terrence Malick (1973)
The Enigma of Kaspar Hauser - Werner Herzog (1974)
Lancelot du Lac - Robert Bresson (1974)
Thieves Like Us - Robert Altman (1974)
One Flew Over the Cuckoo's Nest - Milos Foreman (1975)
The Passenger - Michelangelo Antonioni (1975)
French Connection II - John Frankenheimer (1975)
The Mirror - Andrei Tarkovsky (1975)
The Middleman (Jana Aranya) - Satyajit Ray (1976)
Taxi Driver - Martin Scorsese (1976)
The American Friend - Wim Wenders (1977)
Stroszek - Werner Herzog (1977)
Nosferatu the Vampyre - Werner Herzog (1979)
Stalker - Andrei Tarkovsky (1979)
Once Upon a Time in America - Sergio Leone (1984)
The Runner (Davandeh) - Amir Naderi (1984)
Brazil - Terry Gilliam (1985)
The Blind Owl (La Chouette Aveugle) - Raoul Ruiz (1987)
As Tears Go By - Wong Kar Wai (1988)
Dekalog - Krzysztof Kieslowski (1989)
Hamoun - Dariush Mehrjui (1990)
Days of Being Wild - Wong Kar Wai (1990)
Raise the Red Lantern - Zhang Yimou (1991)
Europa (Zentropa) - Lars von Trier (1991)
To Live - Zhang Yimou (1994)
Chungking Express - Wong Kar Wai (1994)
Ashes of Time - Wong Kar Wai (1994)
Through the Olive Trees (Zire Darakhatan Zeyton) - Abbas Kiarostami (1994)
Pari - Dariush Mehrjui (1995)
Fallen Angels - Wong Kar Wai (1995)
Father - Majid Majidi (1996)
Happy Together - Wong Kar Wai (1995)
Taste of Cherry (Ta'am-e-Gīlās) - Abbas Kiarostami (1997)
Children of Heaven - Majid Majidi (1997)
The Sweet Hereafter - Atom Egoyan (1997)
The Thin Red Line - Terrence Malick (1998)
Little Dieter Needs to Fly - Werner Herzog (1998)
Leila - Dariush Mehrjui (1998)
The Pear Tree (Derakht-e Golabi) - Dariush Mehrjui (1998)
The Wind Will Carry Us (Bād Mā-rā Khāhad Bord) - Abbas Kiarostami (1999)
The Color of Paradise - Majid Majidi (1999)
Memento - Christopher Nolan (2000)
In the Mood for Love - Wong Kar Wai (2000)
Happy Times - Zhang Yimou (2000)
Protest (Eteraz) - Masoud Kimiai (2000)
Smell of Camphor, Scent of Jasmine (Booye Kafoor, Atre Yas) - Bahman Farmanarai (2000)
Going By (Az Kenar-e Ham Migozarim) - Iraj Karimi (2001)
Baran - Majid Majidi (2001)
Thoth - Sarah Kernochan (2002)
Heaven - Tom Tykwer (2002)
The Deserted Station (Istgah-Matrouk, 2002) - Alireza Raisian
Silence of the Sea (Khamushiye Darya) - Vahid Mousaian (2003)
Travellers and Magicians - Khyentse Norbu (2003)
Beautiful City (Shahr-e-Ziba) - Asghar Farhadi (2004)
2046 - Wong Kar Wai (2004)
Sufi Soul: The Mystic Music of Islam - Simon Broughton (2005)
The New World - Terrence Malick (2005)
The Constant Gardener - Fernando Meirelles (2005)
So Close, So Far (Kheili Dour, Kheili Nazdik) - Reza Mirkarimi (2005)
Bab'Aziz - Nacer Khemir (2005)
The Willow Tree - Majid Majidi (2005)
Riding Alone for Thousands of Miles - Zhang Yimou (2005)
Still Life - Jia Zhangke (2006)
Rescue Dawn - Werner Herzog (2006)
The Lives of Others (Das Leben der Anderen) - Florian Henckel von Donnersmarck (2006)
Half Moon (Niwemang) - Bahman Ghobadi (2006)
No Country for Old Men - Joel & Ethan Coen (2007)
Lust, Caution - Ang Lee (2007)
Slumdog Millionaire - Danny Boyle and Loveleen Tandan (2008)
The Song of Sparrows (Avaze Gonjeshk-ha) - Majid Majidi (2008)
Moon - Duncan Jones (2009)
My Tehran for Sale - Granaz Moussavi (2009)
Shutter Island - Martin Scorsese (2010)
Happy People: A Year in the Taiga - Werner Herzog and Dmitry Vasyukov (2011)
Gold and Copper (Tala va Mes) - Homayoun Assadian (2011)
The Tree of Life - Terrence Malick (2011)
Salma and the Apple (Sib o Salma) - Habibollah Bahmani (2011)
Life of Pi - Ang Lee (2012)
The Patience Stone (Syngué Sabour) - Atiq Rahimi (2012)
Sepideh - Reaching for the Stars - Berit Madsen (2013)
Coming Home - Zhang Yimou (2014)
A Man Called Ove - Hannes Holm (2015)

Robert Bresson (1901-1999) stands apart from all other directors. He has a distinctive style, but there is considerable disagreement concerning what, exactly, is the nature of that style. Although there is much written about him, yet he seems still to be the least understood famous director. There is even a dispute concerning his birth year: it was either 1901 or 1907. The one thing that people seem to agree on is that he was very good. Although his films were not successful at the box office, he still has a major following among serious cineastes, was well respected by his fellow film directors, and was a significant figure in the French intellectual scene.

So what can we say about that style of his? Critics and scholars often refer to Bresson’s style as “spiritual”. Paul Schrader, prior to launching his career as a screenwriter and director, characterised Bresson’s style as “transcendental” [1]. Although these terms strike a chord, there is no common agreement as to what they entail precisely. The discourse on this subject is somewhat encumbered and made more complicated by several factors that are brought up in the analysis of Bresson’s work. One issue is his Roman Catholic upbringing and the extent to which he was influenced by Jansenism and the various disputes that the Jansenist movement generated. In addition some French scholars have been influenced by postmodernist thinking, which in my view is overly reliant on a linguistic-based structuring of existence and is inappropriate for Bresson’s highly visual style [2]. If a cinematic experience is to be profound and to have a direct impact, however, then it should not require such a background analysis for appreciation.

So let us just consider the evidence of Bresson’s films as we have them available today. They represent, in my opinion, thoroughgoing examples of Existentialism in Film, for they all confront us with the issues of a lonely individual’s attempts to come to terms with his or her ultimate fate in the universe. But unlike many Existentialist films, Bresson’s films are not representative of Expressionism in Film. We do not see a “coloured” world that represents the exteriorisation of someone’s inner turmoil, as is the case in an Expressionistic film. Instead, we are presented with seemingly meaningless visual fragments, or impressions, which we must collect and assemble into a coherent understanding of the inner turmoil of the principal character. Thus, we could say that Bresson is an “Impressionist”, rather than an Expressionist. But there is no Impressionist movement with which we could associate Bresson’s work: he stands alone as his own archetype.

This Impressionistic cinematic style might have evolved from Bresson’s early career in painting. One can think of his individual scenes almost like Van Gogh’s palette knife: each shot, always of short duration, is individually crafted like a thick stroke of the palette knife to fit into the larger mosaic of his film. Thus Bresson had no interest in having actors “play a role” (he was famously unpopular with actors), and so usually chose actors with no professional experience.
Once chosen, the actors are rehearsed repeatedly with instructions not to think or inflect, and not to invest the words with any intent or motivation. As Bresson prescribes, everything is “weighed, measured, timed, repeated ten, twenty times” until it is automatic, until it can be done or said unthinkingly. To help achieve this effect, none of the shots are allowed to “play out,” but are usually foreshortened, and the written dialogue is of a deliberately cryptic nature. [2]
Bresson did not want narrative threads to be portrayed by the actors, but, instead, wanted the viewers to be forced to make that narrative composition in their heads. He stated that he disliked the theatre, because it inherently represents the author's own narrative of the events. All the events in a drama, according to Bresson, are connected to identified causes – causes that have been identified by the author. But when we have our own experiences, there are no immediately perceived causes for events – those causes are only attributed later by us, upon reflection. At the time we experience the immediate events, there are no causes tied to them. Bresson didn't want his actors to introduce their own interpretations, either. His actors and actresses are usually expressionless in his movies and appear to be “flat”. They are often shown with downcast expressions, which causes us (the viewers) to contemplate their inner experiences (which are usually not at all obvious to us). As a consequence, after his first two films, Bresson always used actors (which from his background in painting he preferred to call “models”) with no previous acting experience. Intriguingly however, though his models usually played people from very ordinary or working-class circumstances, they were often drawn from highly intellectual circles. For example, Florenc Delay, who played the lead role in The Trial of Joan of Arc, was the daughter of a French Academician, and her own novels led to her later elevation to the French Academy. Anne Wiazemsky, who played Marie in Au Hasard Balthazar, was the granddaughter of Francois Mauriac, and she also later become a novelist.

In addition, there is usually no backstory in a Bresson film. We are given very little context at the beginning of the film, even though on many occasions there is a narrative voice-over present which could have been used to supply us with background context, if Bresson had so desired. Just as there is no assumed or understood past that took place before the film events shown, there is usually no clear understanding of a future for the characters when the film comes to an end. Certain things have been resolved, but other aspects remain open.

The camera in Bresson's work does not have the character of the objective silent witness, which it usually has at times in most films. There is no objective point of view and usually no establishing shots that serve to give us an objective sense of a the situation and spatial geometry of a scene. Often we are shown only close-ups of hands and feet concerning a particular activity, and we must extrapolate from then to infer the larger surroundings. From this description, it may sound as though Bresson is merely trying to play a game and keep the viewer guessing, but I don’t think this is the case. The close-up shots of hands seem psychologically realistic in the course of the actions shown. These close-up actions are always individual foci of attention that reflect the way that we actually experience and remember experiences – the experiences associated with our own individual interactions with things in the world. When we watch actors in the film engaged this way, we share and empathize with the nature of that existential experience and find ourselves getting “inside” the character shown in the film.

This empathetic effect is accentuated by Bresson's use of sound. His soundtracks always have very crisp and individuated noises that can be identified with distinct activities that are going on, often off-camera. Of course, all European films made in Bresson's time typically did not use synchronous sound, and sound effects were dubbed in at the editing stage. But Bresson's injection of unique, recognisable sounds was distinctive. It gave the soundtrack the special flavour of sounds we hear when we are withdrawn from normal social discourse and are intensely listening to the sounds around us. Thus the sense of withdrawal on the part of the film character is passed on to the film viewer and further supports our identification with the main character in the film.

Despite the difficulty of Bresson’s cinematic narrative style, he is certainly one of the most interesting filmmakers, and his films bear repetitive viewing. What he showed was the anxiety, uncertainty, and tragedy of existence. There is always an appreciation that, though grace may never be achieved, yet it is perhaps always a possibility. This is the Sufi’s way.

http://www.filmsufi.com/2008/08/robert-bresson.html
 
Απάντηση: Re: Ευρωπαϊκό Σινεμά και όχι μόνο

εχει μεγαλη ορεξη να φαει γαβρο τηγανητο,αλλα με την ορεξη θα μεινει

θυμασαι περυσι πως τον φαγαμε τον γαβρο ...καπου στο Πειραια αλλα και στο Μαρουσι που ηταν ποιο νοστιμος
:flipout::flipout:
-bye-

φετος κανουμε νηστεια εχουμε δουλειες στη φιλαδελφεια